Très déçu par ce documentaire, qui ne tient pas toutes ses promesses. Certes, on a droit à de très belles images d’animaux dans la nature (rien de très nouveau sur ce point), mais le reste ne suit pas : le cycle des saisons devrait être le fil rouge (sinon pourquoi le titre ?), mais il n’est pas perceptible, pas plus dans les images que dans les commentaires de la voix-off.

La présence de l’homme apparaît peu à peu, d’abord simple silhouette derrière les arbres, puis chasseur-cueilleur vivant au cœur de la forêt… pour finalement envahir et transformer complètement le paysage, remplaçant la forêt par des terres cultivées. Heureusement, la voix-off nous rassure : ainsi s’ouvre de nouveaux espaces pour les animaux… Un  peu optimiste, comme vision, non ? L’impact de l’homme sur la nature est tout de même dénoncé sur la fin, mais très très mollement. Et puis, on le savait déjà…

De la même manière, les rares scènes où un animal en chasse un autre pour le déchiqueter à pleines dents, le réalisateur a pris soin de mettre un tronc d’arbre entre la scène et la caméra, car il ne faudrait tout de même pas choquer les spectateurs… On voit que le public visé doit être le plus large possible, et ne choquer personne : distribution mondiale oblige !

Bref on ressort de la salle avec un sentiment d’ennui et de déjà vu. Derrière moi, il y avait une petite fille qui posait plein de questions à son papa : c’est peut-être la seule raison d’aller voir ce film : avec et pour les enfants.

Je n’ai pas vraiment hésité quand j’ai vu ce film à l’affiche… Un documentaire qui s’attache à retracer la (trop courte) vie de Janis Joplin, ça ne se refuse pas !

La réalisatrice Amy Berg a passé sept années à retrouver des photos, des vidéos, des témoignages (dont certains inédits, comme l’interview de Dick Cavet, un animateur de talk show de l’époque, qui nous fait une petite confidence à propos de Janis de manière très élégante), pour dresser un portrait de Janis Joplin tout en finesse, qui nous fait découvrir la femme qu’était réellement la pop-star des années 60, qui personnifia le Flower Power !

Et ce portrait est terriblement humain, avec cette jeune fille née au Texas, de parents très conservateurs, pas très jolie mais avec une joie de vivre inépuisable. L’anecdote du concours au lycée qui élisait « le garçon le plus moche », et où un petit malin avait trouvé drôle de mettre le nom de Janis, bientôt imité par tous les autres, est révélateur de son malaise. Elle fera bien de vite partir vers San Francisco où le monde bouge…

Pourtant, elle rencontrera le grand amour alors qu’elle est au Brésil en train d’essayer de se désintoxiquer de l’héroïne… Mais comme elle rechute, ils vont se séparer tant qu’elle ne peut arrêter. Quelques mois plus tard, alors qu’elle est presque « propre », que son ami lui a écrit qu’il revenait (la lettre sera trouvée à la réception), elle prend une dernière dose alors qu’elle est seule dans sa chambre d’hôtel, et meurt à 27 ans, deux semaines après Jimi Hendrix.

C’est donc un très bon documentaire qui décrit bien la personne qu’elle était, sensible, humaine, généreuse. Ses lettres à ses parents sont très touchantes (lues par Cat Power), empruntes d’un grand amour, même s’ils étaient si différents de part leur mode de vie. Dernière anecdote, quand sa mère déclare, à la sortie du premier concert public de Janis Joplin : « Nous allons dorénavant avoir du mal à avoir de l’influence sur Janis ! »…

Bref, allez voir ce film, ou comme disait Janis : « Bougez-vous le cul et vivez les choses! »

Amy Berg, née en 1970, est une réalisatrice américaine. Elle a reçu un prix pour son documentaire « Délivrez-nous du mal » qui traite des abus sexuels dans l’église catholique. Pour elle, Janis Joplin est la femme la plus importante du rock’n’roll.

« Un rêve amazonien » est-il indiqué en haut de l’affiche… Il y est bien question de rêve, mais d’une sorte bien particulière, le rêve initiatique qui t’apprend qui tu es… Dès les premières images de ce film en noir et blanc, on est transporté dans un autre monde, au fin fond de l’Amazonie colombienne, et plus l’histoire va se dérouler, plus ce monde va nous paraître étrange…

Je crois qu’à la fin du film, le réalisateur indique que ce film est dédié à tous les peuples méconnus dont les modes de vies sont menacés. Et ce sont bien les indiens, leur culture qui sont au centre du film, sans oublier la forêt amazonienne et le fleuve qui sont omniprésents.

L’histoire est celle de Karamakate, un chaman amazonien qui vit seul dans la jungle, dernier survivant de son peuple. Des dizaines d’années de solitude ont fait de lui un chullachaqui, un humain dépourvu de souvenirs et d’émotions. Survient un explorateur américain à la recherche d’une plante sacrée, la Yakruna, qui a la propriété d’apprendre à rêver. Or quarante ans plus tôt,  un autre explorateur, allemand cette fois-ci, avait sollicité l’aide du jeune Karamakate pour la même demande.

Présent et passé vont alors s’entrecroiser pendant qu’ils s’enfoncent dans la forêt amazonienne, nous racontant les deux expéditions. Peu  à peu, Karamakate va retrouver ses souvenirs… La scène où Karamakate et l’explorateur américain reviennent dans la mission chrétienne est proprement hallucinante : le prêtre est mort, et les indiens sont devenus une sorte de secte proche de la folie. Mais il n’y a pas que les missionnaires qui ont semé la pagaille et la mort : le caoutchouc a aussi attiré beaucoup d’aventuriers prêts à tout pour s’enrichir, et détruisant par la même occasion la culture indienne.

Mais revenons à la trame du film, voilà ce qu’explique Ciro Guerra :

On retrouve l’idée, dans de nombreux textes sur le monde indien, d’une notion différente du temps. Le temps n’est pas une continuité linéaire, tel que nous l’entendons en Occident, mais une série d’événements qui ont lieu simultanément dans plusieurs univers parallèles. C’est ce qu’un écrivain a décrit comme « le temps sans temps » ou « l’espace sans espace ». J’ai fait le lien avec cette idée des aventuriers qui mentionnaient le fait que, bien souvent, lorsque l’un d’eux revenait 50 ans après le passage d’un autre, l’histoire du premier avait déjà pris la forme d’un mythe. Pour beaucoup de communautés, c’était toujours la même personne qui revenait parce que l’idée d’un seul homme, d’une seule vie, d’une unique expérience vécue à travers de nombreuses personnes était profondément ancrée. Cette idée m’a semblé être un point de départ très intéressant pour le scénario parce que, bien que ce soit un film raconté du point de vue des Indiens et dont le personnage principal est un Indien, il offrait au spectateur des points d’accroche par le biais de ces personnages qui viennent de notre monde et dont on comprend les motivations. Puis, lentement, à travers eux, on cède le pas à la vision du monde indien que nous offre Karamakate.

Un très bon film, avec une histoire aussi étrange que passionnante. Les acteurs indiens (en particulier Karamakate jeune et vieux) sont remarquables.

Ciro Guerra, né en 1981,  est un réalisateur colombien. Ce film est son troisième long métrage.

Ce film retrace l’enquête qui suivit l’assassinat de Yitzhak Rabin par Yigal Amir, un étudiant juif religieux d’extrême droite, en 1995, mettant ainsi fin à l’espoir d’une paix possible entre Israël et la Palestine (les accords d’Oslo).

Mêlant les images d’archives et une reconstitution des interrogatoires réalisés par la commission d’enquête, le film est proche du documentaire. Il ne tire pour autant pas de conclusions sur les potentiels instigateurs de l’attentat, la commission d’enquête se limitant (sur ordre) à savoir s’il y a eu des négligences du service de sécurité. Au spectateur de se faire sa propre idée pour le reste…

Il semble bien que des rabins extrémistes aient prononcé un « Din Rodef » (un équivalent de la Fatwa des musulmans) contre Yitzhak Rabin au nom du « Grand Israël » que les accords d’Oslo remettaient en cause en accordant aux Palestiniens le contrôle de certaines parties du territoire. Dans une scène, on voit que ces extrémistes religieux ne reconnaissent pas vraiment l’autorité du gouvernement de la démocratie israélienne. Ils se placent au-dessus, et seuls les textes sacrés comptent.

La scène avec la psychiatre qui livre aux religieux son analyse « professionnelle » en qualifiant Rabin de schizoïde, et comme tel incapable de percevoir la réalité et donc de prendre les bonnes décisions est assez révélatrice du mélange des genres permettant toutes les justifications.

Le rôle du Likoud (parti politique sioniste israélien de tendance nationaliste), et de son leader Benyamin Netanyahou (actuel premier ministre) n’est pas non plus à négliger, car il appelait à la division avec un discours de haine et de violence. On voit bien à l’heure actuelle la politique qu’il applique, et l’absence de progrès d’un quelconque processus de paix.

S’il y a bien eu des lacunes du service de sécurité, rien ne permet de dire qu’ils aient été volontaires. La zone où Yitzhak Rabin a été abattu n’avait pas été « stérilisée » comme cela aurait du être le cas, et le chauffeur n’avait pas été informé du parcours d’urgence à utiliser pour sortir, perdant ainsi un temps précieux pour emmener Yitzhak Rabin à l’hôpital (8 minutes pour faire 500 mètres à cause des rues bloquées par la police).

J’ai trouvé ce film passionnant, et s’il dure 2h30, je ne les ai pas vraiment vu passer. La clef de toute cette histoire, ce sont les extrémistes religieux, minoritaires mais voulant décider pour tout le peuple. Mais qui sera vraiment surpris ? La question sous-jacente, c’est de savoir si Israël est vraiment une démocratie (la seule de la région).

Amos Gitaï est un cinéaste israélien né en 1950 à Haïfa. Il entame en 1968 des études d’architecture qu’il doit interrompre en 1973 pour aller servir sous les drapeaux lors de la guerre du Kippour, où il sera blessé. Cinéaste prolifique, il devra s’exiler en France entre 1983 et 1993 suite à son film « Journal de campagne » retraçant l’invasion du Liban en 1982.