Cinéma on Pascal's weblog

Coming Home - Hal Ashby

Mon, 04 Nov 2024 09:59:14 +0000

C’est en regardant un documentaire sur Jane Fonda au Vietnam sur Arte (docu assez surprenant par ailleurs) que de fil en aiguille j’en suis arrivé à regarder ce film, appelé “Retour” dans sa version française.

Le film traite avec beaucoup d’humanité du retour de soldats du Vietnam. Jane Fonda joue le rôle de Sally, mariée à un capitaine de l’armée américaine, et qui part au Vietnam. Sally décide alors de s’engager comme bénévole à l’hôpital des vétérans. Elle y retrouve Luke, un amour d’enfance, qui y a perdu l’usage de ses jambes et très amer sur cette guerre. Jane va énormément évoluer à son contact… puis Bob, son mari, va revenir.

Le sujet est admirablement traité, avec beaucoup de sensibilité. Jane Fonda, qui à 40 ans à l’époque, est magnifique ! Le film a obtenu trois oscars en 1978 : meilleur acteur pour Jon Voight, meilleure actrice pour Jane Fonda et meilleur scénario original. Ainsi que le prix d’interprétation masculine pour John Voight au Festival de Cannes de la même année.

Et cerise sur le gâteau, la bande son est excellente :

Hey Jude - The Beatles
My Girl - The Rolling Stones
For What It’s Worth - Buffalo Springfield
Expecting To Fly - Buffalo Springfield
Once I Was - Tim Buckley
Call On Me - Janis Joplin
Time Has Come Today - The Chambers Brothers
Follow - Richie Havens
Just Like A Woman - Bob Dylan
Sympathy For The Devil - The Rolling Stones
White Rabbit - Jefferson Airplane
Out of Time - The Rolling Stones
Manic Depression - The Jimi Hendrix Experience
Bookends - Simon and Garfunkel
No Expectations - The Rolling Stones
Ruby Tuesday - The Rolling Stones
Jumpin’ Jack Flash - The Rolling Stones
Born To Be Wild - Steppenwolf
Strawberry Fields Forever - The Beatles
Save Me - Aretha Franklin

Voilà de quoi se faire une belle playlist… pour ceux qui aiment la musique de cette époque bien sûr ! :grin:

1971, The year that music changed everything

Sat, 26 Nov 2022 15:16:58 +0000

Voilà un excellent documentaire (sur Apple TV) au format d’une série : 8 épisodes d’une heure, sur l’année 1971, pendant laquelle il s’est passé beaucoup de choses.

Aux États-Unis, c’est la guerre du Vietnam, Nixon est président, les conservateurs espèrent reprendre la main après le mouvement hippie… En Angleterre, le magazine underground Oz fait l’objet d’un procès pour obscénité.

Les Noirs américains quant à eux revendiquent leurs droits civiques, avec l’activisme des Black Panthers ; Angela Davis est poursuivie par la justice, le FBI a carte blanche avec le programme Cointelpro. Les prisonniers de la prison d’Attica se révoltent… Les méfaits des drogues dures sont encore là (Keith Richards le premier), et c’est aussi l’année du procès de Charles Manson et sa “family” (meurtre de Sharon Tate).

Tout l’intérêt du documentaire est la mise en relation entre un artiste, une chanson, ses paroles, et le moment politique ou sociétal où elle est créée… C’est passionnant, et ont est parfois pris par l’émotion quand le morceau que l’on connaît depuis toujours prend alors toute sa signification.

Car la musique est alors en pleine effervescence, et va participer pleinement à cette révolution sociétale : John Lennon, David Bowie (qui émerge à peine), Marvin Gaye, Curtis Mayfield, Gil Scott Heron, les Doors, Aretha Franklin, les Rolling Stones, les Who, Elton John, Sly and the Family, etc, etc… La liste est longue ! Et chacun participe à sa façon à l’émancipation tant désirée.

1971, c’est par exemple l’année de quelques très grands albums :

Sticky Fingers des Rollings Stones
Who’s Next des Who
What’s Going On de Marvin Gaye
Hunky Dory de David Bowie
Led Zeppelin IV de… Led Zeppelin !
Meddle de Pink Floyd
L.A. Woman des Doors
Fireball de Deep Purple
Madman Across the Water d’Elton John
Master of Reality de Black Sabbath
Santana III de Santana
Tapestry de Carole King

Le documentaire est en VO sous-titrée, et les paroles des chansons traduites à l’écran mettent en évidence le contexte historique, et c’est vraiment legros intérêt de ce doc. J’étais par exemple surpris de voir combien le Vietnam a inspiré certaines chansons, comme l’album “What’s going on” de Marvin Gaye dont il est le thème :

Mother, mother

There’s too many of you crying

Brother, brother, brother

There’s far too many of you dying

You know we’ve got to find a way

To bring some lovin’ here today - Ya

Father, father

We don’t need to escalate

You see, war is not the answer

For only love can conquer hate

You know we’ve got to find a way

To bring some lovin’ here today

Le documentaire se termine termine par cette phrase de David Bowie :

Merde, qu’est-ce qu’on fait ? Putain on vient de tuer les années 60".

Vous pouvez lire cet article du Monde pour pour d’informations.

Matrix

Wed, 16 Mar 2022 16:55:31 +0000

Je me suis refait la trilogie avant de voir le numéro 4… car après, cela n’aurait plus été une trilogie ! :roll: La sortie de premier avait à l’époque été un vrai succès, et j’avais bien sûr installé la mise en veille de l’écran sur mon PC.

Alors Matrix a-t-il bien vieilli vingt plus tard ? Et sortir un quatrième épisode après si longtemps est-il justifié ? Voilà mon ressenti après ce visionnage :

The Matrix (1999): très bien, bons effets spéciaux (le fameux “bullett time”), et surtout bon scénario entre un monde réel et un monde artificiel dans lequel l’humanité serait plongée, et contrôlé par les machines. Mais un choix est possible (pilule bleue ou rouge ?) pour reprendre son destin en main (le libre-arbitre ?). Vaste question philosophique remise au goût du jour avec beaucoup de talent. Ce premier film se justifie en lui-même sans besoin d’une suite.

Matrix Reloaded (2003) : Très moyen, beaucoup de courses poursuites, de combats sans fins, de milliers de balles tirées à bout portant sans même effleurer l’adversaire… Le scénario assez bidon, on ne sait plus trop ce que cela raconte en fait, l’idée du “monde vrai” vs “la matrice” se mord la queue, entre les humains, les programmes, les développeurs, on finit par s’y perdre. Finalement, ce n’est qu’une suite comme sait en proposer le cinéma, avec pour seule motivation la rentabilité garantie par le premier épisode. Et qui en plus se termine par un magnifique “To be concluded”… Trop fort le marketing !

Matrix Revolutions (2003) : Sorti donc la même année que le précédent (6 mois plus tard), et légèrement meilleur (heureusement), avec plus de place à l’histoire même si celle-ci reste obscure. Sinon “C’est la lutte finale…”, et on se doute bien que le happy end est inévitable, tout comme la mort de Trinity, qui aura droit à un dernier baiser. Ouf !

Matrix Resurrections (2021): Que dire ? on reprend l’histoire depuis le début, mais légèrement modifiée. Plus de vingt ans après, c’est vraiment nul d’avoir si peu à apporter. Même Keanu Reeves a l’air fatigué de jouer ! Il s’agit bien sûr de faire revenir Trinity, qui finalement n’est pas morte… Le plus décevant et le plus inutile, sans aucun doute.

Conclusion : Comme le dit Morpheus : “Toute chose commence par un choix”, et dans le cas de Matrix, le meilleur choix est de s’arrêter au premier film. :cool:

Dune - Denis Villeneuve

Thu, 14 Oct 2021 16:50:50 +0000

Fan de Dune et de Franck Herbert, je ne pouvais manquer ce film presque mythique, tant sa réalisation était attendue.

Je me souviens du documentaire de Frank Pavich : Jodorowsky’s Dune, qui raconte l’histoire incroyable de ce premier projet à grande échelle, où Jodorowsky avait réussi à recruter Salvador Dali, Orson Welles, Mick Jagger côté acteurs… Côté musique, c’était Pink Floyd et Magma !! Hélas, ce projet n’aboutira pas pour des raisons de budget (pas trop étonnant avec un type comme Jodorowsky qui devait difficile à contenir !).

L’affiche me fait un peu trop penser à Star Wars, par contre la calligraphie pour écrire le mot “dune” est plutôt bien trouvée, quatre fois le même signe orienté différemment :

Bref, ici, avec Denis Villeneuve, le réalisateur de Blade Runner 2049, on a enfin pu arriver au bout du projet, c’est déjà une bonne chose. Le film dure 2h36, je n’ai pas trop vu passer le temps (le dernier quart d’heure peut-être ?), et le film est fidèle au roman, l’ensemble plutôt prenant. Bien sûr, je connais l’histoire par cœur, et je ne sais pas ce qu’il peut en être pour quelqu’un découvrant Dune pour la première fois.

Les effets spéciaux sont réussis, les décors aussi : l’ambiance est là, l’ensemble très esthétique et homogène. La bande-son par contre, comme souvent maintenant au cinéma, joue sur le volume pour “marquer le coup”, et cela m’a paru plusieurs fois vraiment trop fort (mais c’est peut-être dû à mon âge ! ;) )

Je ne savais pas trop en y allant ce que recouvrait ce film : en fait c’est à peu près de tome 1 de Dune, comme il a été publié en France : c’est-à-dire jusqu’à ce que Paul Atréides et sa mère Jessica rejoignent les Fremen. Autant dire que le meilleur reste à venir… Apparemment, ce n’est pas pour demain, puisque rien n’a encore été tourné, les producteurs attendant de voir si ce premier opus est un succès. Peut-être un tournage en 2022 pour une sortie en 2023, d’après ce que j’ai lu. :(

On pourra alors voir le mode de vie des Fremen qui m’avait fasciné à l’époque : la vie dans le désert, l’eau comme valeur ultime (et les rites associés), les distilles (une sorte de combinaison) qui leur permettent de récupérer l’eau de leur corps. Mais aussi l’épice qui permet de voir l’avenir, l’arrivée du “Mahdi”, annoncé par les croyances semées par les Bene Gesserit, qui permettra aux Fremen de reprendre le contrôle de leur planète Arakis.

Quand on pense que ce roman est paru en 1965, Frank Herbert avait déjà une pensée écologique bien ancrée (écologie planétaire ici). Dune est d’ailleurs le roman de science-fiction le plus vendu au monde. Il est suivi de plusieurs romans, que l’on appelle le cycle de Dune :

1965 : Dune
1969 : Le Messie de Dune
1976 : Les Enfants de Dune
1981 : L’Empereur-Dieu de Dune
1984 : Les Hérétiques de Dune
1985 : La Maison des mères

J’avais peu à peu décroché, je ne sais plus jusqu’où je suis allé, l’Empereur-Dieu de Dune je crois. L’histoire devient de plus en plus mystico-religieuse, ça avait fini par me lasser.

Denis Villeneuve, né en 1967, est un réalisateur, scénariste et producteur québecois. Il est notamment connu pour avoir réalisé les films suivants : Incendies (2010), Prisoners (2013), Sicario (2015), Premier Contact (2016), Blade Runner 2049 (2017) et Dune (2021).

Frank Herbert (1920-1986) est un auteur de science-fiction américain. Il doit principalement sa célébrité au cycle de Dune. Ses thèmes de prédilection sont la survie de l’espèce humaine et son évolution, l’écologie, ou encore les interactions entre la religion, la politique et le pouvoir.

Sorry we missed you - Ken Loach

Wed, 23 Oct 2019 17:24:49 +0000

Un Ken Loach, ça ne se loupe pas, surtout quand il décide de parler du problème de l’“Uberisation " de la société, et du sort réservé aux travailleurs qui tentent cette voie.

Franchement j’ai bien aimé, c’est un bon Ken Loach, qui ne s’apitoie pas sur le sort de cette famille, mais se contente de décrire leur quotidien. Et il est assez terrible, avec Ricky sans emploi, et Abby sa femme qui s’occupe de personnes âgées à domicile, mal payée et exploitée par une société sans état d’âme (qui parle de “clients” aussi dramatique que la situation d’abandon puisse être pour ces personnes).

Dès le début, on sent le piège se refermer : Ricky demande à sa femme Abby de vendre leur seul bien, à savoir la voiture qui sert à Abby pour faire sa tournée (elle ira en transports en commun à la place !), pour acheter une fourgonnette qui va lui permettre de faire le chauffeur-livreur à son compte, travaillant pour une compagnie qui va l’exploiter de belle manière… Le rêve d’accession à la propriété va enfin pouvoir se réaliser !

Mais très vite la situation va devenir intenable : au moindre souci, Ricky va subir l’exploitation sans scrupules de la compagnie, devenant corvéable à merci, sans aucune protection, et sous la menace permanente d’être “dégagé”.

Et des problèmes familiaux, Ricky va en avoir avec son fils adolescent… J’ai trouvé la scène où les parents s’expliquent dans la chambre alors que Ricky a failli en venir aux mains avec son fils très forte. Abby lui explique que ce qu’il faut, en ce moment, c’est surtout garder le contact avec leur fils, et Ricky le prend comme un reproche personnel, alors Abby réexplique tranquillement. Elle est d’une patience admirable, d’un dévouement et d’une empathie exceptionnelle. C’est sans conteste le plus beau personnage du film.

Ken Loach, né en 1936, est un réalisateur britannique. Son œuvre est engagée et dénonce souvent les abus de la société capitaliste et le sort qu’elle réserve aux travailleurs.

Sœurs d'armes - Caroline Fourest

Fri, 11 Oct 2019 16:43:16 +0000

J’aime bien Caroline Fourest, très bonne journaliste, débatteuse redoutable, et défendant des causes justes (femmes, minorités, laïcité), et luttant contre les intégrismes religieux. Je suis son blog wordpress de temps en temps, pas toujours très actif, mais toujours intéressant.

J’avais donc prévu d’aller voir ce film dès sa sortie. Pour cela, il m’a fallu aller au CGR La Mézière de Cap Malo, à 10 kms de Rennes, aucun cinéma en centre-ville ne le proposant.

J’en suis ressorti un peu déçu, ce n’est certainement pas un grand film, malgré un sujet passionnant : on ne s’improvise sans doute pas réalisatrice, et le début du film manque de fluidité, on a du mal à entrer dans l’histoire ; les scènes semblent collées les unes aux autres sans véritable enchaînement. D’autres scènes sont manifestement faites pour créer de l’émotion, avec la musique qui va bien… Les scènes de guerre ne sont pas très bien rendues non plus.

Il y avait donc certainement mieux à faire. Pourtant, l’histoire de ces femmes d’horizons différents, de religion différentes, qui se battent ensemble contre l’État Islamique et sa barbarie mérite d’être contée. Sur le même sujet, j’ai tout de même préféré Les filles du soleil de Eva Husson.

À noter que le film sort au moment où les américains abandonnent les Kurdes face à l’armée turque. Triste monde !

Caroline Fourest, née en 1975, est une journaliste, essayiste et donc réalisatrice française

Le jeune Ahmed - Les frères Darden

Thu, 30 May 2019 08:52:45 +0000

Ce film passait déjà au TNB de Rennes, tout fraîchement récompensé au festival de Cannes, avec le prix de la mise en scène (elle est pourtant minimaliste !). La semaine précédente, la critique du Canard était bonne, il ne restait plus qu’à aller voir ce film.

Bon, franchement, je n’ai pas été emballé plus que ça. Particulièrement la fin, avec les derniers mots d’Ahmed disant à sa prof “Je te demande pardon”… On n’y croit pas une seconde, tant le jeune s’est montré obstiné depuis le début du film.

Et c’est bien le problème, car rien n’explique vraiment sa radicalisation : elle est présente dès les premières images, on se doute bien du rôle de l’imam qui l’encourage à vénérer son cousin mort en martyr en Irak, et qui se retrouve dans le rôle de l’apprenti sorcier, dépassé lui-même par le fanatisme d’Ahmed… Mais le sujet n’est pas vraiment traité. Reste un jeune emmuré dans sa foi, mutique, que l’on suit jusqu’à la chute finale (!).

C’est peut-être le message du film finalement : nous sommes face à un mur d’incompréhension avec cet adolescent qui a tout pris au pied de la lettre, et ne peut plus sortir de son fanatisme. De la force du conditionnement sur des personnalités encore malléables.

La tendre indifférence du monde - Adilkhan Yerzhanov

Wed, 31 Oct 2018 17:06:19 +0000

Avec un aussi joli titre, difficile de résister à l’envie d’aller voir ce film. On y apprend d’ailleurs que “La Tendre indifférence du monde” est une citation empruntée à Albert Camus (dans l’Étranger).

L’histoire est simple, et les héros attachants : Saltanat est une belle jeune fille, qui a fait des études de médecine, mais dont les parents ont de grosses dettes. Kuandyk lui n’a pas d’éducation, est amoureux de la belle, mais la respecte avant tout, et reste à sa place. Tous deux aiment la littérature française…

Après un chantage de sa mère, Saltanat se rend à la ville pour y rencontrer un oncle, et va vite s’apercevoir qu’il s’agit bien de la monnayer à un homme riche qui pourra rembourser les dettes des parents. Kuandyk l’accompagne pour veiller sur elle, et va chercher un petit boulot sur place.

Tous les deux, attachants et aériens, vont être confrontés à la brutalité et la bêtise du monde, et vont réagir… Le grotesque de certaines situations apporte un peu de légèreté heureusement.

Le rythme est assez lent, avec beaucoup de plans fixes manifestement très construits. Des tableaux du douanier Rousseau ponctuent chaque scène… Ainsi qu’une fleur aux pétales blanches, qui ouvre d’ailleurs la première scène du film, où quelques gouttes de sang la ternissent, prémonition du destin final…

Un très beau film, bien construit, qui réussit à apporter une note poétique tout en dénonçant un monde de brutes.

Burning - Lee Chang-Dong

Mon, 10 Sep 2018 16:08:07 +0000

J’ai d’abord entendu parler de ce film coréen par le Canard enchaîné, qui en donnait une bonne critique. Puis sur France Culture, le journaliste regrettait amèrement qu’il n’ait pas eu la palme d’or (comme le fait Télérama sur l’affiche), et fustigeait le jury par la même occasion. Enfin, ce film est tiré d’une nouvelle de Murakami. Tout cela m’a donné envie d’aller le voir.

Avec un début plutôt lent (le film dure 2h30), on met un peu de temps à rentrer dans l’histoire, ou plutôt l’histoire met un peu de temps à démarrer : Jongsu, un jeune coursier taciturne, mutique, retrouve une ancienne voisine de son enfance, Haemi. Celle-ci le séduit, puis part en Afrique pendant que Jongsu s’occupe de son chat. À son retour, Haemi est accompagnée d’un jeune coréen, Ben, riche et oisif. Le trio va apprendre à se connaître, puis Haemi va disparaître.

Tout ceci a pris 90 minutes, mais j’ai trouvé tout de même de l’intérêt a observer les rapports entre coréens, et la culture coréenne par la même occasion. On est loin de l’occident, et ce temps était peut-être nécessaire. À partir de là, Jongsu va essayer de retrouver Haemi, et les propos ambigus de Ben vont finir par lui devenir suspects.

Pour conclure, c’est un bon film sur la Corée moderne, avec de bons acteurs, une intrigue digne de Murakami (rien n’est certain), des images et une musique qui créent une belle ambiance : on passe tout de même un bon moment. De là à crier à la palme d’or…

Hedy Lamarr : from Extase to wifi - Alexandra Dean

Wed, 06 Jun 2018 15:30:14 +0000

Une actrice glamour d’Hollywood qui invente une technologie encore utilisée de nos jours par le GPS ou le WIFI, ça intrigue… Je suis donc allé voir ce documentaire au TNB de Rennes.

Hedy Lamarr est autrichienne, née en 1914, belle et intelligente. Elle devient vite actrice, sa beauté déjà reconnue, et tourne un film, Extase, où elle apparaît dénudée et où elle mime une scène d’orgasme pour la première fois au cinéma qui fait sensation : cette réputation ne la quittera plus.

En fait, elle expliquera plus tard que pour cette fameuse scène (qui ne montre que les visages des acteurs), elle ne savait pas ce qu’elle tournait : elle tournait seule, on lui demandait de prendre des poses, de lever les bras, etc… et de ne pas poser de questions. Tout est en fait suggéré par la suite avec un montage habile !

Son premier étant pro-nazi (marchand d’armes), elle fuit aux États-Unis, et commence une carrière à Hollywood. Son film le plus célèbre est sans doute Samson et Dalila de Cecil B. Demile (en tout cas pour moi !). Elle tourne avec les plus grands réalisateurs, comme King Vidor, Victor Fleming, Jacques Tourneur, Marc Allégret.

Au début de la seconde guerre mondiale, les allemands ont le dessus, surtout sur la mer. Le système radio de guidage des torpilles des alliés est facilement brouillé par les allemands. Avec l’aide de George Antheil pour la conception, elle invente alors un nouveau système de guidage, fonctionnant par saut de fréquence, et empêchant ainsi la détection et le brouillage du signal.

Bien que breveté par l’armée, le système restera dans les tiroirs jusqu’à la fin des années cinquante. Il est toujours utilisé aujourd’hui pour le GPS, les liaisons chiffrées militaires, les communications des navettes spatiales avec le sol, la téléphonie mobile ou dans la technique Wi-Fi. Rien que ça ! Elle recevra d’ailleurs des hommages tardifs, mais pas d’argent comme cela aurait dû être le cas.

Elle sera aussi productrice de films, montrant ainsi son indépendance et son émancipation (féministe avant l’heure). Malheureusement, elle y perdra beaucoup d’argent sans rencontrer le succès (piètre femme d’affaire dira-telle). Passant de riche à pauvre, pour une femme comme elle, il reste toujours le mariage…

Le reste de sa vie est moins glamour et plus commun pour une actrice d’Hollywood : nombreux mariages donc et encore plus d’aventures, recours aux drogues pour tenir le coup (Methamphétamine fournie par le Dr Feelgood !)), chirurgie esthétique pour garder sa beauté jusqu’à d’autres opérations pour rattraper les précédentes : les dernières images de sa vie montrent qu’il est nettement préférable d’accepter de vieillir ! ;-). Pour finir retirée du monde, sans doute parce qu’elle se trouve trop moche pour être vue en public… Un peu triste tout ça !

Un documentaire très intéressant donc, une forte personnalité avec une vie remplie de haut et de bas… mais d’une beauté éclatante ! On peut toutefois lui reprocher d’être un peu partial sur le personnage en montrant principalement ses bons côtés (intelligente, féministe) et en évoquant à peine les côtés sombres (mariages nombreux et ratés, besoins d’argent, dépendance aux drogues, chirurgie esthétique).

Centaure - Aktan Arym Kubat

Thu, 15 Feb 2018 15:39:30 +0000

La critique du “Canard” était plutôt élogieuse : “paysages à couper le souffle”, “conte épuré” “chant d’amour aux traditions kirghizes”, et se terminait par un “Lumineux” sans appel.

Je serais beaucoup moins enthousiaste sur ce film, même si j’ai passé un bon moment : si les sujets abordés ne manquent pas d’intérêt, le film manque carrément de rythme. Quant aux paysages à couper le souffle, il y a bien quelques plans larges où des montagnes enneigées apparaissent à l’arrière-plan de plaines verdoyantes, mais rien de plus.

Le film démarre avec ce proverbe Kirghize : “Le cheval est les ailes de l’homme”. Un ancien voleur de chevaux (appelé Centaure) ne peut supporter de les voir enfermés, et s’introduit la nuit dans les propriétés pour les libérer, tout en profitant de l’occasion pour se payer un bon galop dans la steppe… Il finit par se faire attraper.

C’est l’occasion de voir que la société est en pleine mutation, avec l’enrichissement de quelques uns, la notion de propriété (et donc du vol), et surtout la radicalisation de l’islam qui veut imposer la charia. La scène du procès est assez édifiante sur ce choc de civilisation, avec la disparition du monde traditionnel que l’on sent inéluctable.

L’histoire ne se terminera pas bien pour Centaure, et la pirouette de fin avec ce qui arrive à son fils au même moment n’est pas une grande trouvaille. Un bon film tout de même, mais n’y allez pas pour les paysages grandioses, vous seriez déçus !

Bienvenue à Suburbicon - George Clooney

Tue, 19 Dec 2017 16:03:32 +0000

C’est à la suite d’une critique positive du “Canard” que je suis allé voir ce film. Réalisé par George Clooney, mais avec un scénario des frères Coen, je me disais que cela être un bon moment : une histoire où le personnage principal tente une arnaque, mais enchaîne les mauvaises décisions jusqu’à la catastrophe finale de son projet. Typique des frères Coen (Sang pour sang, Fargo, etc…). J’adore !

Pour cette fois, j’ai plutôt été déçu, même si tous les ingrédients sont là. J’ai trouvé ça convenu, assez lourdingue, lent… Comme un mauvais Coen en quelque sorte.

Surtout je n’ai pas compris ce que venait faire dans l’histoire la famille noire qui vient s’installer comme voisins. Bien sûr, c’est l’occasion de montrer le racisme assumé par les blancs de cette petite banlieue américaine des années 50, mais c’est fait de façon très caricaturale, et surtout n’a par ailleurs aucun lien avec l’histoire principale, l’arnaque à l’assurance qui tourne au fiasco. Vraiment dommage !

La faute à qui ? au réalisateur, car n’est pas les frères Coen qui veut ? ou au scénario, finalement assez faiblard ? pour le premier je ne sais pas, mais pour le second ça ne fait guère de doute.

La belle et la meute - Kaouther Ben Hania

Mon, 06 Nov 2017 17:45:23 +0000

Séance ciné aujourd’hui pour voir ce film inspiré d’un fait réel, et raconté dans le livre Coupable d’avoir été violée par Meriem Ben Mohamed (c’est un pseudo, et c’est déjà révélateur !).

Cette jeune tunisienne de 27 ans a été violée le 03 septembre 2012 par deux policiers. Elle a porté plainte, et c’est le sujet de ce film, même s’il n’est pas fidèle aux faits qui se sont réellement passés. Comme on peut l’imaginer, ce n’est pas simple de vouloir porter plainte pour un viol, qui plus est en Tunisie, et pire encore d’accuser la police de ce viol.

C’est ce chemin de croix que raconte le film, en neuf plans séquences d’intensité inégales, mais qui nous emmène dans le cauchemar que va devoir vivre la jeune fille.Car cette nuit-là, que ce soit à l’hôpital ou au commissariat, qu’elle se retrouve face à des femmes ou des hommes, il lui faudra une volonté farouche pour ne pas abandonner… L’omnipotence des hommes est terrible ! Les femmes au mieux compatissent, mais ne vont pas pour autant prendre parti.

Dommage que la réalisatrice n’ait pas choisi de raconter la vraie histoire, cela aurait donné au film encore plus de force je crois. Le film s’arrête d’ailleurs quand la jeune fille sort du commissariat, au petit matin, libre d’aller voir le procureur de la République pour enfin pouvoir porter plainte. Rien n’est encore fait !

Dans la réalité, la jeune fille sera d’abord inculpée d’atteinte aux bonnes mœurs, mais cette inculpation se solde par un non-lieu en novembre 2012. Deux ans plus tard, les deux policiers ont été condamnés (en appel) à quinze ans de prison. Elle vit maintenant à Paris avec son compagnon, car la pression était trop forte en Tunisie : menaces de la famille des policiers, les amis qui ne vous parlent plus, peur de la police et des islamistes…

Blade Runner 2049 - Denis Villeneuve

Sun, 22 Oct 2017 15:39:36 +0000

Fan de Philip K. Dick, je ne risquais pas de louper ce film, d’autant qu’Arte avait eu la bonne idée de rediffuser le premier “Blade Runner” de Ridley Scott (1982), adaptation du roman de P.K. Dick : Les androids rêvent-ils de moutons électriques.

Et j’ai passé un bon moment, malgré quelques longueurs (2h44). Du côté positif, l’ambiance (décors, musique) qui sont assez fidèles à la première mouture, et où l’on plonge avec délice. Le scénario, sans être à la hauteur du premier film, est assez prenant pour vous accrocher un moment. Mais la sophistication et la lenteur de certaines scènes font que l’on s’ennuie tout de même un peu, pour être finalement déçu par le scénario.

Concernant ce dernier, je n’ai pas retrouvé la force du premier film, notamment avec la dernière scène, celle où Roy Batty, le Nexus-6, finit par sauver la vie du Blade Runner par pure empathie, ce sentiment qui est censé être la spécificité de l’âme humaine… C’est l’idée de base du roman de Philip K. Dick, d’ailleurs : qu’est-ce que c’est qu’être humain, qu’est-ce qui nous différencie d’une machine sophistiquée ?

Dans ce nouveau film, la clef du scénario est la capacité d’enfanter des réplicants. Car leur fabrication est limitée, or les humains en ont de plus en plus besoin (comme main d’œuvre) ; s’ils pouvaient donc se reproduire tout seuls, cela résoudrait le problème. Or nous apprenons que la Tyrell Corporation du premier film savait le faire, mais hélas, le savoir a été depuis perdu… Et comme Harrison Ford et la belle Rachel étaient amoureux, un enfant était né de cet amour !

Personnellement, j’ai tout de même passé un bon moment. Le premier film durait deux heures, et est considéré comme un film culte. Pas besoin de faire plus long…

Le jeune Karl Marx - Raoul Peck

Wed, 11 Oct 2017 16:42:28 +0000

J’avais envie de voir ce film pour mieux connaître le personnage qui encore aujourd’hui est souvent mentionné dès que l’on parle de crise économique (du capitalisme). J’en suis ressorti un peu sur ma faim, mais bon, pas facile non plus de faire mieux je pense. Les deux premières scènes du film sont très explicites :

La première nous montre des pauvres ramassant du bois mort dans une forêt. Une voix off nous explique la différence entre la branche valide d’un arbre, et une branche morte, se demandant si la branche morte appartient toujours à l’arbre, et accessoirement à son propriétaire… Puis des hommes à cheval arrivent en chargeant, frappant sans retenue les gueux qui ont osé ramasser le bois mort.

La deuxième scène se passe dans une usine, où l’on voit des hommes, des femmes et des enfants travailler sur des machines. Apparemment, pas grand chose ne les distingue des gueux de la première scène (travailleurs pauvres). Arrive le patron qui fait un beau discours menaçant (je ne sais plus trop pourquoi), ce à quoi une ouvrière se rebelle et se fait virer sur le champ. Le fils du patron n’est autre que Friedrich Engels, qui va suivre l’ouvrière qui deviendra sa femme.

Le décor est installé, celui d’une classe ouvrière à l’aube de l’ère industrielle, qui n’a pas grand chose à envier aux esclaves. Le besoin de changer ce monde, et le sentiment de révolte qui va avec, n’est pas bien compliqué à comprendre et à accepter.

Nous retrouvons ensuite Karl Marx, alors journaliste en Allemagne, qui se fait expulser et se réfugie en France. Il assiste aux discours de Proudhon, auteur du célèbre : “La propriété, c’est le vol”. Ils se rencontrent à plusieurs reprises, mais sans être vraiment en accord sur leurs idées, Marx lui reprochant d’être trop théorique, trop abstrait. Quand un peu plus tard Proudhon publiera sa “Philosophie de la misère”, Marx en fera une critique très sévère appelée “Misère de la philosophie” ! On imagine le personnage…

Engels viendra rencontrer Marx, et ils vont devenir inséparables. Engels connaît le monde des nantis, et celui des ouvriers, et il ne manque pas d’argent ; Marx est un penseur du matérialiste historique, assez redoutable quand il s’agit d’apporter la contradiction, mais peu doué pour les concessions, comme on l’a vu avec Proudhon. Il ne partage pas non plus les thèses de l’anarchie chères à Bakounine. Financièrement, il est fauché.

Avec Engels, ils vont approcher un mouvement clandestin appelé La ligue des justes, créé à Paris par des ouvriers allemands, et s’approchant du socialisme utopique. Les deux compères prétendront avoir Proudhon comme ami pour être crédible ! La Ligue des justes deviendra bientôt la Ligue des communistes, et Karl Marx publiera son Manifeste du Parti Communiste.

Voilà, ce sont les cinq années de la vie de Karl Marx qu’a choisi le réalisateur de montrer. Je suis resté sur ma faim car les échanges de dialectique politique sont un peu trop rapides à mon goût, on survole vraiment beaucoup de choses en très peu de temps, alors que certaines scènes de la vie familiale de Marx ou de Engels m’ont paru de peu d’intérêt. Mais il s’agissait sans doute d’un besoin d’équilibre afin que le film ne soit pas trop ardu, et cela a aussi le mérite de rendre Marx un peu plus humain.

Cela n’en reste pas moins un très bon film, d’une réalisation très classique, décrivant un moment crucial de la moitié du XIXème siècle, quand on sait tout ce qui va suivre. Ne pas confondre pour autant le Manifeste du Parti communiste de Karl Marx avec ce qu’en ont fait les différents Partis communistes de la planète ! ;-) D’ailleurs, à l’époque, aucun Parti communiste n’existait, et l’ouvrage fut par la suite republié sous le titre Manifeste communiste).

Gabriel et la montagne - Fellipe Barbosa

Wed, 27 Sep 2017 16:14:49 +0000

Je croyais avoir loupé ce film dont j’avais entendu parlé en bien à la radio ; et puis non, il passait encore hier au TNB de Rennes. J’y suis donc allé, sans savoir grand chose du film si ce n’est que c’était à propos d’un voyage ; en fait, nous sommes à mi-chemin entre le film et le documentaire.

Je ne savais donc pas que c’était une histoire vraie, et ne l’ai appris qu’à la fin du film, quand de vraies photos de Gabriel passent en diaporama, et où l’on reconnaît sans hésitation certaines scènes du film, ainsi que les personnages que Gabriel a rencontré. Car si Gabriel, sa copine et les autres touristes sont des acteurs professionnels, les autres sont les vrais protagonistes de l’histoire, ceux que Gabriel a vraiment rencontré !

Gabriel est donc un jeune brésilien qui termine son tour du monde d’un an par l’Afrique. Nous le suivons du Kenya au Malawi, voyageant sans grand budget, sac au dos, façon routard. Il tient à vivre comme les locaux, à faire de vraies rencontres… et se considère comme un voyageur et pas comme un simple touriste. Le personnage est très sympathique, et l’acteur qui l’interprète (João Pedro Zappa) excellent.

Hélas, l’histoire va tourner au drame, je ne dévoile rien, on est averti dès le début du film : Gabriel va trouver la mort à quelques jours de son retour au Brésil. La suite est un long flash-back où l’on revoit tout son parcours africain, et donc les personnes qu’il a rencontré, ce qu’il a fait, comment il voyageait…

La fin est tragique, mais Gabriel commet une grave erreur ; il a pourtant fait le tour du monde, et a du s’aguerrir pendant ce voyage d’un an. Et pourtant, refusant d’écouter les conseils de prudence de son guide, il choisit de partir seul dans la montagne pour une histoire d’expiration de visa, voulant faire en une journée ce qui en demande plusieurs, sous-estimant les dangers ou se sur-estimant lui-même. Un problème assez typique de certains occidentaux.

Un très bon film, j’ai beaucoup aimé, cela donne envie de prendre son sac à dos et de partir à l’aventure ! La seule et vraie manière de voyager…

Le Caire confidentiel - Tarik Saleh

Sat, 29 Jul 2017 17:36:03 +0000

Avec un titre pareil, faisant référence à “L.A. Confidential”, le roman de James Ellroy (admirablement adapté à l’écran par Curtis Hanson), je n’ai pas trop hésité pour aller voir ce film, d’autant que les critiques étaient plutôt bonnes dans l’ensemble.

Franchement j’ai bien aimé, pas tant pour l’intrigue elle-même que pour l’ambiance globale du film, la manière dont la ville du Caire est rendue. Car après le policier assez mutique, le personnage principal de ce film est sans conteste la ville du Caire, admirablement rendue, aussi bien visuellement (les déplacements des flics en voiture) que musicalement (la bande son retranscrit bien l’ambiance).

De tout cela ressort une peinture sociale très réaliste, oscillant entre une pauvreté sans espoir et une extrême richesse qui permet tout. Quant à l’intrigue, assez classique, réserve principalement comme surprise la corruption omniprésente à tous les étages ! Même ceux qui luttent contre la corruption ne cherchent en fait qu’à avoir leur part du gâteau.

La dernière scène est assez terrible, avec le policier qui se fait tabasser par les manifestants de ce qui sera “printemps arabe” égyptien, permettant à son oncle, grand maître de la corruption, de s’échapper. Quand on sait ce qu’il est advenu dudit printemps arabe en Égypte, la corruption n’a pas du s’arranger depuis…

Lou Andreas-Salomé - Cordula Kablitz-Post

Thu, 15 Jun 2017 16:09:11 +0000

Lou Andreas-Salomé a été une femme exceptionnelle : belle, grande intellectuelle, philosophe, psychanalyste… Très attachée à son indépendance, et capable de rendre fou amoureux des hommes comme Nietzsche (sans espoir) ou Rilke (avec succès), ou de se faire respecter par Freud lui-me qui l’appelait la “Compreneuse”.

J’avais fait un article sur un petit livre L’école de la vie, une sélection de textes de Lou Andreas-Salomé rassemblés par Élisabeth Barillé : j’avais trouvé le niveau intellectuel de ses textes plutôt élevé, et leur lecture peu aisée !

Ce biopic retrace les grandes étapes de sa vie, sous une forme classique, faite de flashbacks sur les étapes marquantes de sa vie, alors que très vieille et malade, elle écrit ses mémoires. Mais on retrouve pas le personnage brillant intellectuellement que l’on peut imaginer, le film se limite presque exclusivement à ses rapports avec les hommes qu’elle croise dans sa vie.

Difficile peut-être de rendre compte du niveau intellectuel de la dame, sans faire un film indigeste, en tout cas au grand public… On se contentera donc de son désir d’indépendance et de la difficulté qu’elle aura à vouloir vivre en pure amitié intellectuelle avec les hommes qu’elle rencontrera, et de sa facilité à les quitter dans ce cas.

Comme le montre le film, à la fin de sa vie Lou va brûler pas mal de documents, les jugeant trop personnels, ne regardant qu’elle ; d’autant que les nazis sont susceptibles de venir perquisitionner à tout moment ! On ne sait donc pas tout sur sa vie, loin de là, et ce biopic n’a manifestement pas l’intention de s’attaquer aux zones d’ombre de Lou. D’autres hypothèses ont été faites, comme l’essai de Françoise Giroud (lire ce résumé ici) où le personnage décrit est très différent et beaucoup plus complexe.

À partir de là, difficile de faire un film complet et objectif, parce que tout simplement on ne sait pas ! Lou Andreas-Salomé a volontairement effacé les traces, et comme c’était apparemment une personne très individualiste, le mystère risque de durer encore longtemps !

Dans ce film, encore adolescente, le pasteur Heinrich Gillot lui enseigne théologie, philosophie, littérature… et finit par la demander en mariage (en lui sautant littéralement dessus), alors qu’il est nettement plus âgé qu’elle (et marié de surcroît). Elle est assez choquée, et refuse bien entendu… Cela semble être le point de départ de son aversion pour le mariage (comme le présente le film donc).

Elle qui veut vivre libre, sans se retrouver liée à quiconque par un contrat de mariage qui immanquablement restreindrait sa liberté (à cette époque, on ne peut que la louer), se voit sans cesse demander en mariage par ceux qu’elle considère comme ses amis intellectuels : Paul Rée, Friedrich Nietzsche, Friedrich Carl Andreas, Rainer Maria Rilke. Elle finira par céder et se marier avec Friedrich Carl Andreas (il menace de se suicider), mais avec la promesse de ne jamais le consommer sexuellement.

L’amour sexuel, elle le connaîtra (à 36 ans) pour la première fois avec Rilke, avec qui elle restera toujours très liée : le film l’affirme, la fiche wikipedia indique “probablement”… et je ne parle pas de ce que propose Françoise Giroud !

Pour conclure, un film sans doute incomplet, taillé pour ne pas choquer le grand public, laissant dans l’ombre la sexualité de Lou Andreas-Salomé, ne montrant pas vraiment sa grande vivacité intellectuelle (qui séduisit Freud lui-même). Globalement, la deuxième partie de sa vie et d’ailleurs très peu traitée, celle où elle devient psychanalyste, et où pourtant elle trouvera sa voie.

Alien : Covenant - Ridley Scott

Thu, 18 May 2017 16:53:34 +0000

Je ne suis pas un grand fan des films d’horreur, plutôt de SF, et ici on parle de “science-fiction horrifique” ! Mais je me souviens encore de la sortie du premier Alien (1979) avec Sigourney Weaver, et cette phrase sur l’affiche “Dans l’espace, personne ne vous entend crier”… À l’époque, c’était pas mal.

Bref, j’avais une place gratuite au Gaumont, je suis allé voir ce nouvel opus, censé se placer chronologiquement entre Prometheus et ce premier Alien. Il y a déjà une suite de prévue, et peut-être d’autres encore si cela marche bien.

Personnellement, je n’ai pas vraiment accroché. Le scénario a du mal à tenir la route, tout comme les personnages. Mention spécial à l’équipage du vaisseau, qui peut se résumer à une bande d’abrutis irresponsables, toujours prêts à prendre systématiquement la mauvaise décision… Pas étonnant que la catastrophe arrive, et tant pis pour le suspens !

Du coup, la partie “SF” vole en éclat. Il y a bien une brève explication pour faire le lien avec le film Prometheus, mais juste le minimum, hein, afin de pouvoir faire encore plein de films pour arriver à Alien. Ça va coûter un bras, à ce rythme là !

Il ne reste donc que la partie “horreur”. Et on tombe dans du déjà vu mille fois, avec le monstre hideux qui surgit au milieu de l’écran avec un hurlement monstrueux (forcément), ou qui sort de la poitrine du pauvre membre de l’équipage dans un bain de sang, car il ne faudrait tout de même pas lésiner sur l’hémoglobine !

Comme je l’ai lu quelque part : “Ridley, dans l’espace, personne ne t’entend merder !”

The lost city of Z - James Gray

Tue, 02 May 2017 13:07:13 +0000

C’était le mois dernier, à Toulon, je suis allé voir ce film avec ma sœur et mon neveu au cinéma Le Royal, petit cinéma classé Art et Essai. Auparavant, Pierre, mon neveu, nous avait fait visiter la basse ville, en pleine rénovation : ce quartier plein de rues piétonnes et de places se succédant les unes aux autres est en train de devenir un lieu très attractif, grâce à un plan de rénovation urbain plutôt bien pensé. Il n’y a pas si longtemps, c’était plutôt mal famé !

Mais revenons à la cité perdue de Z ! Je ne savais rien de ce film avant d’y aller, et ma foi, on y retrouve le charme des films d’explorateurs, aventuriers au milieu de la jungle hostile, à la recherche d’une civilisation inconnue, au moins dans la première partie.

L’histoire est inspirée de la vie de Percy Fawcett, explorateur britannique. Ce dernier est d’abord envoyé à la frontière de la Bolivie et du Brésil pour y tracer la frontière officielle : les deux pays se disputant à ce sujet pour des intérêts commerciaux ont décidé de faire appel à l’Angleterre pour jouer le rôle d’arbitre.

Ce faisant, il y découvre des restes d’une civilisation inconnue, et ne pense plus qu’à une chose, y retourner, et s’efforce de convaincre la Royal Geographical Society de Londres… La chose est entre autres rendue difficile pour des problèmes de classes, Percy étant un militaire talentueux mais sans origines nobles. Jusque là, le film est assez intéressant, et la première expédition assez bien rendue.

Percy réussira à repartir deux fois en expédition. La première échouera lamentablement, puis viendra la seconde guerre mondiale qui mettra son rêve entre parenthèses. Il ne reviendra pas de la seconde expédition, et le mystère perdurera : est-il mort, ou bien a-t-il décidé de rester vivre dans cette civilisation qu’il a cherché toute sa vie ? Le film laisse croire que c’est peut-être la seconde proposition qui est la vraie (la boussole qu’un brésilien rapporte à sa femme), quand la réalité laisse supposer sans grand doute que c’est la première !

Toujours est-il que ces deux dernières explorations sont assez mal filmées, et de manière assez brève, me laissant largement sur ma faim. Ses discussions avec la RGS sont assez classiques, et vite ennuyeuses, comme le reste des moments passés en Angleterre. Seul reste le sourire magnifique de sa femme, jouée par Sienna Miller : les petites fossettes au coin des lèvres sont charmantes !

Chez nous - Lucas Belvaux

Thu, 09 Mar 2017 17:02:58 +0000

En allant voir ce film, je m’attendais à une histoire qui démonte la mécanique populiste d’un parti populiste d’extrême-droite. Et puis le cinéma belge nous offre souvent de bonnes surprises… Ce ne fût pas le cas cette fois, et je suis ressorti très déçu de la salle.

Les responsables du FN avaient hurlé au loup avant même la sortie du film : j’imagine qu’ils ne disent plus rien après l’avoir visionné ! La seule chose que le film montre à charge sur ce parti, c’est le lien entre la façade républicaine proprette, et les fascistes tendance para-militaire, qui sont toujours présents, mais plus discrets.

Et encore : la jeune infirmière dévouée qui va se présenter sous cette étiquette (on ne sait trop pourquoi, elle non plus manifestement), va tomber amoureuse de Stéphane, fasciste plus ou moins repenti, personnage qui est présenté sous un angle plutôt sympathique. Pour le reste, le parti en question fait de la politique comme les autres, aucune réflexion sur les thèmes populistes et leur inanité.

En résumé une histoire un peu à l’eau de rose, une brave fille dévouée, père communiste, qui se fait manipuler par un notable local, se retrouve candidate d’un parti d’extrême droite sans même avoir lu le programme, qui tombe amoureuse d’un copain d’enfance qui se révèle être un ancien militariste fasciste, mais sympa malgré tout (quand on aime…). Débrouillez-vous avec ça pour vous faire une opinion sur le problème.

Le film ne dénonce rien, le réalisateur Lucas Belvaux explique que si son film est « un film engagé », ce n’est pas un « film militant », que « ce n’est pas tant un film anti-FN qu’un film sur le discours populiste.

Silence - Martin Scorsese

Mon, 27 Feb 2017 18:25:40 +0000

Je savais que le Japon avait été très réticent à s’ouvrir sur le monde extérieur. Je ne sais plus qui disait que d’abord ils se sont crus seuls au monde, puis ont regretté de ne pas l’être… Concernant le christianisme, il avait été déclaré illégal, et les adeptes sévèrement punis (la mort) s’ils ne reniaient pas leur foi.

Ce film raconte donc la tentative de deux prêtres jésuites portugais, Sebastião Rodrigues et Francisco Garupe, de retrouver leur mentor, le père Ferreira, que l’on dit disparu au Japon après avoir abjuré sa foi. C’est l’adaptation d’un roman de Shūsaku Endō, un écrivain catholique japonais. Le “Silence” du titre évoquant le silence de Dieu face aux souffrances vécues en son nom.

Nous sommes au XVIIème siècle, et les conditions de vie sont très précaires, surtout quand on est sur une île étrangère dont on ne parle pas la langue, réduits à faire confiance à un interprète dont on doute avec raison de l’honnêteté, et que l’on doit se cacher des autorités qui vous recherchent.

Après un début que j’ai trouvé assez lent, et qui décrit cette situation, le film devient assez passionnant quand les autorités japonaises vont se mettre à vouloir faire renier leur foi (apostasie) aux deux missionnaires usant de toute leur sophistication légendaire, et ceci en leur faisant marcher sur une image religieuse, signe de reniement. Rodrigues bénéficiera d’un traitement spécial, voyant son compagnon mourir sous ses yeux, puis sera amené à rencontrer le père Ferreira qui lui confirme qu’il a abjuré sa foi, et que la foi catholique ne peut s’installer au Japon, les différence culturelles étant trop importantes.

Rodrigues reniera sa foi pour sauver de la torture d’autres chrétiens, marchant sur l’icône mais après avoir entendu la voix de Dieu qui le lui autorise. Puis il suivra le même destin que Ferreira, se mariant à une veuve, et travaillant pour le gouvernement en fouillant les cargaisons des navires étrangers à la recherche de tout objet évoquant le christianisme. Il est également appelé à renier sa foi régulièrement. Au moment de sa mort, selon les rites japonais, la dernière image du film nous montre un minuscule crucifix tenu dans sa main : il n’aurait donc renier sa foi qu’aux yeux des autres…

Très beau film malgré un début un peu lent : le film dure 2h42, la première heure parait un peu longue… Mais il vaut le détour, pour l’histoire d’abord, puis la réalisation sans faute, très soignée, la reconstitution de l’époque, les paysages, les acteurs impliqués, etc… Pour le reste, à chacun sa morale : en ce qui me concerne, je me demande lesquels étaient les plus allumés de l’histoire.

Jackie - Pablo Larrain

Thu, 23 Feb 2017 10:44:36 +0000

Après l’excellent Neruda du même réalisateur chilien, je suis allé voir Jackie, un autre biopic ! Cette fois, c’est de Jackie Kennedy qu’il s’agit, et plus précisément de la façon dont elle gère la période entre l’assassinat de JFK et son enterrement.

J’ai beaucoup moins accroché à ce film, mais avant tout pour le personnage de Jackie Kennedy, qui m’a paru assez détestable par son comportement : méprisante, autoritaire, parfois délirante. Concernant le film proprement dit, mais c’est sans doute une conséquence, je me suis plutôt ennuyé et le mot FIN est apparu comme une délivrance.

Plusieurs années après les faits, Jackie reçoit un journaliste pour parler de cette période. Elle sera très autoritaire et cassante avec lui, jusqu’à prétendre écrire elle-même l’article ! S’en suit une série de flash-back sur les jours en question, dont plusieurs scènes en noir & blanc que l’on croit d’époque, mais en fait reconstituées par Pablo Larrain : c’est sans doute le seul exploit du film. On y voit Jackie (Nathalie Portman) faire visiter la Maison Blanche et répondre aux questions des journalistes sur l’aménagement des pièces : amusant de voir le niveau de la soupe que l’on sert aux téléspectateurs à cette époque…

Concernant les autres scènes, ce qui la préoccupe le plus, c’est la place laissée dans l’histoire, comme sa volonté d’une marche derrière le corbillard malgré les problèmes de sécurité, et éventuellement l’utilisation de ses enfants pour attendrir le bon peuple. La femme bouleversée devient du coup un peu machiavélique.

Pour le reste, rien sur l’attentat lui-même, et pas un mot sur les commanditaires. Dommage !

Tempête de sable - Elite Zexer

Sat, 18 Feb 2017 18:10:10 +0000

Je suis allé voir ce film avec peu de motivation, le sujet ne m’attirant pas particulièrement à priori. Et puis finalement, j’ai bien accroché, surtout grâce au personnage de Jalila, la première épouse.

L’histoire se passe dans un village bédouin en Israël (la réalisatrice est israélien), où Suleiman, déjà marié donc, se marie avec une deuxième épouse. Pour l’occasion, leur fille aînée Layla revient de l’université où elle suit des études.

Jalila, la première épouse, va se rendre compte que Layla fréquente un jeune homme à l’université. Elle réagit d’abord sévèrement, car les traditions sont ce qu’elles sont ! D’autant que le père a déjà promis sa fille à quelqu’un… Mais devant l’obstination de sa fille, Jalila, assez antipathique au début, va entrer en conflit ouvert avec son mari en se rangeant du côté de sa fille.

La sanction ne va pas traîner : Suleiman la répudie ! Le portrait du mari est celui d’un homme faible, mais qui a le pouvoir absolu. Il suffit de comparer les deux maisons, côte à côte, des deux femmes pour comprendre. S’il a promis sa fille en mariage, c’est lié à une histoire d’argent. Etc, etc…

C’est finalement le portrait de deux femmes, fortes de caractère, qui subissent le dictat d’un lâche. Devinez qui gagne à la fin de l’histoire ?

Born to be blue - Robert Budreau

Wed, 01 Feb 2017 16:01:57 +0000

Après Neruda, un autre biopic, sur Chet Baker cette fois-ci, le légendaire trompettiste de jazz. Il semble qu’Hollywood apprécie ce format, et c’est tant mieux quand, comme pour ces deux-là, une dose de poésie ou d’invention vient agrémenter l’histoire.

Pour celui-ci, le film commence avec le tournage d’un film où Chet Baker joue son propre rôle. Si le projet d’un tel film a bien existé, il n’a jamais eu lieu. Chet Baker va alors tomber amoureux de Jane, sa partenaire, mais le film est arrêté après qu’un dealer lui ait fracassé la mâchoire et quelques dents (épisode véridique de sa vie).

Nous suivons alors la longue traversée du désert de Chet pour réapprendre à jouer de la trompette, et à se désintoxiquer de l’héroïne, aidé et soutenu par Jane. L’artiste est hanté par ses souvenirs (toutes ces scènes sont en noir et blanc) et ses vieux démons. Le retour à la ferme de ses parents et ses rapports avec son père en dit long…

Il va finalement pouvoir rejouer au Birdland, le club historique du jazz new-yorkais, devant Mile Davis et Dizzy Gillepsie. Sous pression, la tentation de reprendre de l’héroïne va alors se présenter, car il est persuadé de mieux jouer quand il est sous les effets de la drogue.

Un film magnifique, très esthétique, et une histoire forte. L’acteur Ethan Hawke est vraiment excellent (il chante lui-même “My funny Valentine” !). J’ai vraiment beaucoup apprécié. Et l’on a envie d’écouter un peu de Chet Baker en sortant de la salle !

Corniche Kennedy - Dominique Cabrera

Tue, 24 Jan 2017 16:47:58 +0000

Ce n’est certes pas un grand film, mais l’histoire de ces jeunes marseillais un peu paumés qui aiment plonger du haut de la corniche est finalement assez touchante. Ils viennent des quartiers nord de Marseille, ont abandonné l’école… Quand ils se livrent et racontent un peu ce qu’est leur vie, leur famille, leurs espoirs (s’il en ont), on se pose forcément des questions sur notre société.

La réalisatrice a d’ailleurs choisi d’engager des jeunes marseillais adeptes du plongeon et de leur apprendre à jouer plutôt que de faire l’inverse, et c’est plutôt réussi.

Une jeune fille d’un milieu aisé va venir s’intégrer au groupe, pour plonger avec eux. Elle va flirter avec deux garçons de la bande, l’occasion pour eux de se découvrir un peu, sous leurs dehors de mecs. L’intrigue policière qui vient s’y mêler est plutôt décevante, et vient presque gâcher ce qui aurait pu être un beau film sur la jeunesse. Sinon les images de la corniche, la mer, le soleil sur la peau, tout cela donne envie alors que l’hiver sévit !

Ce film est tiré du roman éponyme de Maylis de Kerangal, l’auteur de “Réparer les vivants”, également adapté à l’écran.

Juste la fin du monde - Xavier Dolan

Mon, 23 Jan 2017 10:56:36 +0000

Grosse déception en allant voir ce film, sélectionné dans le “Festival Cinéma Télérama” qui passe en ce moment à Rennes. Avec un titre pareil, et sachant que c’est l’histoire d’un écrivain qui revient dans son village natal pour annoncer à sa famille sa mort prochaine, je m’attendais à quelque chose de pesant, mais peut-être profond, sur la difficulté à communiquer entre les êtres…

Hélas, dès le début, on tombe dans une espèce de caricature de rapports humains, l’écrivain en question étant largement mutique, passant le film à sourire bêtement en guise de réponse ; quant à la famille, ils sont tous plus ou moins névrosés (plutôt plus que moins), ce qui donne des scènes et des dialogues complètement irréels : Marion Cotillard bafouille pendant tout le film, Vincent Cassel pique sa crise dès qu’il ouvre la bouche, etc…

On pourrait croire que les acteurs sont mauvais, mais vu leur notoriété, il semble bien que ce soit les dialogues et les scènes qui soient d’une débilité profonde. C’est d’ailleurs bien la seule profondeur que l’on atteindra ici.

À se demander comment ce film peut faire l’objet d’une sélection quelconque… Mais avec Télérama, c’est vrai que tout est possible !

American Pastoral - Ewan McGregor

Thu, 12 Jan 2017 10:17:36 +0000

Ce film avait reçu une très bonne critique du Canard, et est adapté d’un roman de Philip Roth qui a reçu le prix Pulitzer en 1997 : suffisant pour avoir envie de le voir.

C’est l’Amérique des années 1960, Seymour Levov, surnommé “Le Suédois” pour son look, champion de son lycée, a tout pour avoir une vie heureuse : une femme ex-Miss Jersey, la fabrique de gants de son père dont il prend les commandes, et une adorable petite fille dont le seul problème est de bégayer.

Mais le rêve va tourner au cauchemar, la petite fille grandit et se radicalise, révoltée par la guerre du Vietnam et les émeutes raciales qui secouent le pays : elle commet un attentat à la bombe dans la poste locale, provoquant un mort, puis disparaît.

Le Suédois ne va jamais s’en remettre, cherchant désespérément à retrouver sa fille, et son couple va éclater. Il finira par la retrouver, mais ce n’est plus la même personne. Il ne s’en remettra jamais.

Il y a une tension constante dans ce film, et le jeu des acteurs est parfait. On en ressort un peu secoué… Cela donne envie de lire le bouquin !

Neruda - Pablo Larrain

Thu, 05 Jan 2017 16:21:18 +0000

Je suis allé voir ce film au hasard, sachant vaguement que Pablo Neruda était un poète chilien… Et l’histoire racontée, même s’il ne faut pas y chercher une vérité historique, m’a bien plu.

La voix off qui intervient dans la narration en dit finalement beaucoup sur le personnage, et donne envie d’aller lire la page wikipedia de Pablo Neruda pour tenter de démêler le vrai du faux…

Dans le film, Pablo Neruda est sénateur communiste, et critique vertement le gouvernement de González Videla. Nous sommes en 1948, c’est le début de la guerre froide. Videla lance alors une vague d’arrestation chez les communistes. C’est à l’inspecteur Óscar Peluchonneau qu’est confiée la mission d’arrêter Neruda. Nous allons alors assister à un jeu de chat et de la souris entre les deux personnages. On croisera même lors de cette traque un certain Pinochet, qui dirige alors le centre de détention en plein désert de sel où sont enfermés les communistes.

Dans cette course poursuite, Neruda laisse un de ses livres à chaque étape, pour que le policier le trouve et le lise. Le film est bien sûr le prétexte à dire de nombreux poèmes, magnifiques, sur l’amour, la liberté ou l’oppression…Mais il n’est pas pour autant tendre avec le poète, le montrant plutôt narcissique et assez arrogant. Tout se termine par une mise en abîme, où le détective se rend compte qu’il est un fantasme né de l’imagination de Neruda, qui aime se voir traité en ennemi public numéro un…

Si l’on en croit une des premières scènes du film, Neruda est certes communiste, mais comme tant d’autres personnages de la haute société, habitués des fêtes privées, et à une certaine débauche sexuelle… La voix off nous explique que si le communisme arrivait réellement au pouvoir, Neruda serait certainement l’un des premiers à fuir le pays ! Cela situe un peu le personnage, par ailleurs difficile à cerner semble-t-il, autant dans le film que dans la réalité.

Sur la page wikipedia, on apprend que Neruda avait dirigé la campagne électorale de Videla. Ce dernier menant ensuite un politique de droite, le poète avait réagit par un discours au Sénat portant le célèbre titre d’Émile Zola : J’accuse ! C’est alors qu’il échappe à son arrestation pour se réfugier en Europe. Il soutiendra plus tard Allende, et mourra quelques jours après le coup d’État de Pinochet.

Manchester by the sea - Kenneth Lonergan

Wed, 21 Dec 2016 14:45:02 +0000

“Tout simplement un chef-d’œuvre” déclarait le Canard enchaîné pour ce film. Une bonne raison pour aller le voir…

Malgré un début un peu lent à mon goût, mais peut-être était-ce nécessaire pour y rentrer de la bonne manière, on se fait prendre par l’histoire de Lee, taciturne gardien d’immeuble à Boston, soudain amené à revenir dans sa ville natale pour le décès de son frère, et qui apprend à son corps défendant qu’il devient le tuteur de son neveu Patrick, âgé de 16 ans…

Peu à peu, par flash-back, le passé de Lee va nous être raconté, jusqu’au terrible drame qui l’a amené à quitter la ville, sa femme, ses amis. Heureusement, des scènes plus légères évitent de sombrer dans la déprime, comme celles en mer sur le bateau, ou les amours adolescentes du jeune Patrick.

Casey Affleck, dans le rôle de Lee, est vraiment excellent. Son mutisme, son détachement par rapport à la vie, qui s’expliquent une fois le drame connu comme l’attitude d’un homme brisé par les événements qui cherche finalement à se protéger.

Mais encore une fois, l’intrigue est très lente, il faut attendre une heure de film pour que le drame nous soit conté, et pendant tout ce temps, on frôle l’ennui le plus profond. Le film dure 2h 18mn, il y avait certainement moyen d’en faire quelque chose d’un peu plus dense, et plus court.

La fille de Brest - Emmanuelle Bercot

Sat, 17 Dec 2016 15:44:13 +0000

Je tenais à voir ce film, témoignage poignant du combat mené par Irène Frachon pour faire interdire le trop fameux Mediator, un médicament (soi-disant) contre le diabète (afin d’obtenir l’autorisation de commercialisation) et vendu ensuite comme un coupe-faim (ce pour quoi il a été développé) pendant 33 ans par le laboratoire Servier.

Quelle énergie, quelle force de conviction lui a-t-il fallu pour mener ce combat jusqu’au bout ! La position du Pr Le Bihan alias Pr Grégoire Le Gal (joué par Benoît Magimel) résume bien ce qu’aurait pu être une attitude tout à fait honorable : on informe l’AFSSAPS par une première étude statistique réalisée avec les moyens du bord (étude cas-témoin), et l’on considère que l’on a fait son boulot.

Si Irène Frachon en était restée là, le Médiator serait peut-être encore prescrit ! La puissance des laboratoires pharmaceutiques est telle qu’il faut un réel courage et une véritable détermination pour oser les affronter. Le Pr Le Bihan perdra tout ses crédits de recherche, et devra s’exiler au Canada pour retrouver du travail… Une pratique courante des labos, sans espoir de réhabilitation, pour qui ose s’opposer à eux.

Il suffit d’ailleurs de suivre la chronologie de l’affaire pour se faire une idée du combat à mener : deux années pour faire retirer le Mediator (soit 12 ans après l’interdiction des médicaments de cette classe thérapeutique aux États-Unis), puis il faudra un livre d’Irène Frachon “Mediator, 150 mg : combien de morts ?” (que Servier tentera de bloquer) pour déclencher le scandale un an plus tard. On est alors en 2010.

Aujourd’hui, en 2016, l’AFSSAPS (dont les conflits d’intérêts ont été reconnus) est devenue l’ANSM (c’est pratique de changer de nom quand un scandale éclate), Jacques Servier est mort en 2014 avant qu’un procès ait eu lieu ; après six ans d’instruction judiciaire (ouverte en février 2011 et close en avril 2016), il n’y a toujours aucune date de fixée pour un procès pénal. Les victimes doivent toujours se battre pied à pied avec Servier pour être indemnisées, et Irène Frachon lutte à leurs côtés.

Sans commentaire…

Ma'Rosa - Brillante Mendoza

Sat, 03 Dec 2016 18:08:25 +0000

Un film que je suis allé voir un peu au hasard ; j’ai du en entendre parler sur France Culture, le film ayant reçu le Prix d’interprétation féminine du Festival de Cannes.

C’est l’histoire de Ma’Rosa, qui tient une petite épicerie (ou une misérable échoppe) dans un quartier pauvre (ou un bidon-ville) de Manille. Pour joindre les deux bouts (objectif sans espoir), elle et son mari vendent aussi de la drogue (du “crystal”), et se font sans surprise arrêter par la police.

Ces derniers vont en fait les emmener dans une sorte de “pré-commissariat” : ils ont alors 24 heures pour réunir une certaine somme d’argent. S’ils y parviennent, ils seront relâchés. Et s’ils échouent, ils seront alors inculpés comme il se doit. Il faut reconnaître que la police est très bien organisée sur ce point (la corruption) ! Les enfants vont donc se démener pour réunir la somme demandée, chacun à sa façon.

Si l’univers sans espoir de cette famille est bien décrit, tout comme la vie dans ce quartier pauvre de Manille, c’est la manière de filmer du réalisateur qui m’a gêné : la caméra à toujours à l’épaule, usant beaucoup de gros plans, à la mise au point pas toujours maîtrisée… Le rendu final est assez laid, comme l’univers qu’il décrit, mais était-ce nécessaire ?

Sinon, le nouveau président des Philippines, Rodrigo Duterte, a lancé une guerre meurtrière contre la drogue… Le problème dans ce genre de truc, c’est que l’on ne sait pas vraiment qui est assassiné, et pour quelles raisons.

Sing Street - John Carney

Sat, 03 Dec 2016 17:34:40 +0000

Un film sur une bande de jeunes de Dublin, qui montent un groupe de rock dans les années 80, c’est tentant ! et si en plus il a été nominé au festival du film britannique de Dinard, alors allons-y…

Pas question de parler de chef-d’œuvre pour autant, c’est une comédie, tournée avec de jeunes acteurs. Côté musique, on replonge dans les années 80 avec Duran Duran, The Cure… C’est aussi l’époque des premiers clips vidéos.

C’est donc l’histoire de Conor, qui pour draguer la plus belle fille du lycée, va monter un groupe de rock. C’est son grand frère qui lui donne ses références musicales… et le guide dans son éveil adolescent et son envie de vivre sa vie, comme pour mieux exorciser le fait que lui-même n’est pas réussi à échapper au contexte ambiant.

Quand Conor découvre que la belle a déjà un petit copain, il le dit à son frère, en précisant que le type en question a déjà une voiture, qu’il n’a aucune chance à vouloir rivaliser avec lui, etc… Il précise aussi que le type écoutait Phil Collins dans la voiture. Vient alors la réplique qui fait éclater de rire la salle : “Aucune femme ne peut aimer un homme qui est fan de Phil Collins”.

Voilà, cela vous donne une idée d’un film sans prétention, au message positif, très drôle, et retrouvant l’ambiance musicale de cet époque. Un vrai bon moment de détente.

Tour de France - Rachid Djaïdani

Wed, 23 Nov 2016 18:18:13 +0000

Je suis allé voir ce film sans en attendre grand chose. Ce doit être de voir Gérard Depardieu dans un rôle de beauf’ raciste qui m’a motivé. Un rôle de composition ?

Pas de surprise donc avec ce tour de France improbable entre Depardieu et un jeune rappeur appelé Far’Hook que tout oppose. Tout va se terminer par joli happy-end : ils vont devenir amis, et Far’Hook va même rencontrer l’amour. Ouf ! Si l’intention de ce genre de film est louable, je doute de son efficacité.

Seul Sadek, qui est un vrai rappeur et pour la première fois acteur, est assez touchant avec un jeu tout en sensibilité, qui contraste avec son physique. Depardieu, de son côté… fait du Depardieu, sans trop en rajouter, fort heureusement.

C’est le deuxième long métrage de Rachid Djaïdani ; son premier, Rengaine, semble être plus intéressant à voir que celui-ci, d’après ce que j’ai pu lire.

Moi Daniel Blake - Ken Loach

Fri, 18 Nov 2016 10:56:46 +0000

Un film de Ken Loach, ça ne se refuse pas ! Il avait dit qu’il ne ferait plus de films, il a changé d’avis, et c’est tant mieux. Ses films traitent toujours des laissés pour compte de notre société, du monde ouvrier malmené dans un système où seul le profit compte.

Daniel Blake est un menuisier de 59 ans qui, à la suite d’un problème cardiaque, est mis en arrêt de travail par son médecin. Mais l’administration anglaise ne va pas l’entendre de cette oreille, et le pauvre Daniel va devoir se confronter aux aberrations d’un système qui va l’obliger à chercher un emploi sous peine de sanctions. Dans le même temps, il va venir en aide à une jeune femme et ses deux enfants.

Ce film raconte le traitement réservé aux chômeurs par l’administration, et ses conséquences dramatiques. Le système kafkaïen ne laisse aucune place à l’humain, et semble plus destiné à décourager l’individu grâce à des procédures qui n’ont aucun sens, comme l’expertise médicale du début du film, déléguée à une boite privée, dont la seule motivation est de valider son aptitude au travail sans tenir compte des réalités médicales (“Pouvez-vous lever le bras au-dessus de la tête ?”). Ce qui oblige Daniel Blake à rechercher du travail tout en sachant qu’il ne pourra pas l’accepter…

On est très vite accroché par ce film, et l’émotion nous saisit parfois à la gorge quand on voit le traitement proprement inhumain que l’administration réserve à ces personnes pourtant déjà en difficulté, qui se battent pour s’en sortir et se font inexorablement broyer par le système.

Nous n’en sommes pas encore là en France, mais cela pourrait bien arriver, puisque seul compte l’équilibre budgétaire, quitte à sacrifier une partie de la population, ces laissés pour compte de notre société mondialisée dont les politiques finalement n’ont pas grand chose à faire.

Captain Fantastic - Matt Ross

Wed, 19 Oct 2016 16:24:45 +0000

C’est sur les conseils de Paul Jorion que je suis allé voir ce film (il en parlait sur son blog) ! J’en avais vaguement entendu parler, l’histoire d’un père qui élève ses enfants loin du monde développé, en pleine forêt. Ça m’avait fait penser à “Mosquito Coast”, dont j’avais d’abord lu le roman de Paul Theroux (il y a bien longtemps !), puis vu le film de Peter Weir, avec Harrison Ford (1987).

Mais “Captain Fantastic” n’a rien à voir avec “Mosquito Coast” : ici, c’est plutôt le retour à notre société qui est traité, et de quelle manière ! Il y a des moments de franche rigolade, d’autres chargés d’émotion, et surtout beaucoup de questionnements qui nous viennent à l’esprit : on est parfois pris à nos propres contradictions, et amenés à changer d’avis au fur et à mesure des événements. C’est la grande force de ce film !

Peut-on vraiment totalement vivre à l’écart de la société ? Si la réponse apportée est probablement non (à tout le moins dans une forêt, surtout pour une famille avec des enfants), il peut être utile d’élever ces derniers avec d’autres valeurs que celles de la société consumériste contemporaine.

Le film démarre donc dans une forêt reculée du nord-ouest des États-Unis, où un père a élevé ses enfants, leur apprenant à vivre dans cet environnement à priori hostile. Mais il s’est aussi occupé de leur éducation, leur apprenant à développer leurs propres personnalités, à défendre leur point de vue par l’argumentation, et sans les brimer par des règles trop strictes.

Amenés à revenir dans le monde que nous connaissons tous, le contraste sera saisissant. La scène où ils se retrouvent tous autour de la table chez la sœur du père permet de mettre en évidence les différences d’éducation entre les enfants de chacun. Les deux enfants de la sœur font pâle figure à côté, plus intéressés par le dernier modèle de Nike, ou par leur console de jeu, que de la signification des amendements de la Constitution américaine…

Mais tout ne sera pas aussi simple, et d’autres problématiques vont apparaître. Et c’est là que nous, spectateurs, allons commencer à nous poser aussi des questions… Il n’y a rien de manichéen ici, et de chaque côté, il y a de l’amour, du bon sens… C’est tout l’intérêt de ce film.

Un film drôle, émouvant, qui vous fait réfléchir : un grand film donc, et qui a déjà obtenu deux prix : le Prix de la Mise en Scène à Un Certain Regard à Cannes et le Prix du Public au Festival Américain de Deauville.

Mercenaire - Sacha Wolff

Wed, 12 Oct 2016 16:57:05 +0000

Bonne surprise que ce film, tourné avec des acteurs amateurs. Le rôle principal, celui de Soame, est excellent, avec sa masse athlétique impressionnante, et dont pourtant une douceur énorme se dégage.

Soame, à 19 ans, quitte donc l’île de Wallis (Polynésie française) pour aller tenter sa chance dans la France du rugby, suite aux belles promesses d’un agent peu scrupuleux, et contre l’avis de son père. Ce dernier, après l’avoir battu jusqu’au sang pour le faire changer d’avis, finit par le renier.

Arrivé en France, à peine sorti de l’aéroport, le club qui devait l’accueillir le rejette car l’agent a nettement menti sur ses mensurations (il ne pèse que 110 kgs !). Commence alors un parcours difficile pour le jeune homme, qui va retrouver une place dans un petit club, mais se trouver confronté à pas mal de problèmes…

Restant fidèle à ses valeurs, il va à travers eux devenir un homme. Il retournera même à Wallis pour tenter de se réconcilier avec son père…

Mais ce qui m’a le plus surpris dans ce film, c’est la description du monde du rugby, hélas très réaliste. Le portrait dressé est assez désespérant : il y a une énorme violence sociale dans la façon dont un petit club (niveau Fédérale 3) recrute ainsi un jeune polynésien, le paie une misère, lui demande de se doper, et où sa pseudo intégration ne tient finalement qu’à ses résultats sportifs. Voilà ce que dit Sacha Wolff à propos du dopage :

Quand on voit les coups et traumatismes qu’encaisse un joueur de rugby par match, comment peut-on imaginer qu’il puisse tenir sur une saison sans être un peu aidé médicalement ? Le moralisme autour du dopage est absurde et j’avais envie d’en faire quelque chose de presque comique. Le dopage n’est pas pour autant mon sujet, je n’ai pas voulu enquêter ou révéler quoi que ce soit sur cette question, mon rôle n’est pas de faire du journalisme d’investigation. Le dopage fait juste partie de l’univers dans lequel Soane vit.

Soy Nero - Rafi Pitts

Tue, 04 Oct 2016 17:30:57 +0000

Film que je suis allé voir un peu au hasard, sachant que cela parlait d’immigration mexicaine aux États-Unis, et du problème de la fameuse “Green card”, celle qui donne le droit de travailler, et donc de sortir de la clandestinité et obtenir à terme la nationalité américaine.

Nero a dix-neuf ans, est né aux États-Unis mais s’est fait déporté par les services d’immigration au Mexique. Il décide de retourner clandestinement dans le pays de ses rêves pour y retrouver son frère à Los Angeles. Mais ce dernier ne peut guère l’aider, ayant lui-même de faux papiers, même s’il a un travail. Nero va alors s’engager dans l’armée américaine, ultime moyen pour pouvoir espérer la nationalité américaine (les “green card soldiers”).

Il se retrouve très vite quelque part dans le désert (Afghanistan ? Irak ?), à contrôler un checkpoint avec quelques autres soldats. Suite à une attaque à la voiture piégée, Nero va se retrouver seul à errer dans le désert, et finir par retrouver une patrouille américaine… qui va lui demander de prouver son identité, bouclant ainsi la fable absurde de sa quête.

Malgré quelques longueurs, le film nous fait partager l’impossible quête d’une identité pour Nero, en décrivant au passage une Amérique qui ne se comprend plus elle-même. C’est très bien réalisé, le récit est superbement construit, et l’acteur Johnny Ortiz excellent.

À propos des “green card soldiers” : Ils existent depuis la guerre du Vietnam. Il s’agit pour ces derniers d’un moyen d’obtenir la citoyenneté américaine après deux ans de service. Depuis le 11 septembre et le “Patriot Act” de George Bush, beaucoup de migrants illégaux ont ainsi rejoint l’armée américaine pour devenir « green card soldier » et éviter l’expulsion. Rafi Pitts développe :

Ils ne devenaient américains qu’à leur retour du front ou à leur mort. Ils se sentaient comme des soldats apatrides et en voulaient beaucoup à Bush qui ne les reconnaissait pas comme pleinement américains, tandis que les Mexicains ne les considéraient déjà plus comme étant des leurs. Lorsqu’ils obtiennent enfin leur naturalisation, ces citoyens ne sont pas tout à fait à l’abri pour autant. Il suffit d’un minuscule prétexte pour bannir les soldats qui ont été naturalisés de cette manière. Ils ont servi l’armée pendant trois ans et pour une altercation ou une histoire de cannabis, ils sont expulsés.

Comancheria - David Mackenzie

Wed, 14 Sep 2016 15:08:18 +0000

Je suis allé voir ce film avec un copain, sans vraiment savoir ce qui m’attendait. Ce fût une très bonne surprise, et pour plein de raisons :

D’abord, une bonne histoire avec deux frères qui braquent des banques poursuivis par deux vieux Rangers, de bons dialogues à l’humour décapant (notamment entre les deux Rangers, l’un est blanc, l’autre indien, et ça vanne pas mal !), et tout cela sur le fond d’une Amérique en pleine crise économique : il est loin le rêve américain (même celui du gaz de shiste est déjà passé !).

De très bons acteurs, y compris dans les seconds rôles, tous participant à décrire une Amérique en plein marasme, avec de petits salaires pour eux qui ont la chance de travailler… Et les banques qui continuent de se gaver pendant ce temps.

Car si les deux frangins braquent des banques, ce sont toujours les agences d’une banque bien précise, celle qui a profité de la détresse de leur mère pour lui saisir la propriété familiale à sa mort. L’idée est donc de rembourser la banque avec son propre argent avant que l’échéance n’arrive ! ;-)

Le cinéaste britannique David Mackenzie l’explique ainsi :

Ce qui m’a intéressé dans ce projet, c’est qu’il met en scène ce que j’appelle la ‘criminalité rédemptrice’, autrement dit, il s’attache à des personnages honnêtes qui transgressent la loi pour des raisons légitimes. C’est aussi un croisement très rare entre le western, la comédie, le film de braquage et le road-movie

La signification du titre original est " Hell or high water" m’a intrigué, voilà l’explication fournie sur la page wikipedia :

Le titre original fait référence à une clause inscrite sur certains contrats de prêts décrivant la nécessité pour l’emprunteur de procéder au remboursement, quelles que soient les difficultés qu’il pourrait rencontrer. Le terme vient d’une expression familière aux États-Unis qui indique que quelque chose doit être accompli « come Hell or high water », soit en français « quand bien même l’enfer ou le déluge s’abattrait sur nous ».

Si on ajoute une excellente bande-son préparée par Nick Cave & Warren Ellis, on est sûr de passer un très bon moment ! Une très bonne surprise donc, un film qui fait penser à ceux des frères Coen…

Rester vertical - Alain Guiraudie

Thu, 01 Sep 2016 15:09:23 +0000

Je suis allé voir ce film après en avoir entendu de bonnes critiques sur France Culture, puis lu celle du Canard, également positive.

L’article du Canard disait que “la sexualité surgit crûment et l’homosexualité inattendue produit des coups de théâtre” et parlait “d’audace et d’absence totale de tabous”… Au moins j’étais prévenu !

Au-delà de la sexualité montrée effectivement de manière très crue (ou devrais-je dire l’homosexualité, car beaucoup plus présente que l’hétérosexualité : tous les rôles masculins sont au moins bi-sexuels !), l’histoire manque je trouve globalement d’intérêt, autant que de réalisme d’ailleurs : le rôle du jeune éphèbe par exemple, que l’on retrouve chez le petit vieux, puis chez le père de la bergère, puis chez la bergère comme son petit-ami… Ce monde semble trop étriqué.

Les grand sujets évoqués comme la réintégration du loup, la misère, l’euthanasie, élever seul son enfant, semblent eux par contre trop grands pour être traités réellement. Finalement, hormis quelques très beaux paysages, seule la dernière scène vaut le détour : encerclés par une meute de loups, l’un des deux personnages dit à l’autre que dans ce cas, il ne faut pas montrer sa peur, ni tourner le dos ou s’enfuir… Ne pas se baisser non plus : Il faut rester vertical ! Au moins on aura compris le titre, sans doute une parabole sur un monde en déliquescence ?

Alain Guiraudie, né en 1964, est un réalisateur, scénariste et écrivain français. Son film précédent, “L’inconnu du lac”, lui a apporté une certaine reconnaissance du grand public.

Insiang - Lino Brocka

Tue, 28 Jun 2016 16:28:36 +0000

Insiang est le premier film philippin à avoir été sélectionné au Festival de Cannes en 1978. Le film avait été tourné en huit jours dans le bidonville de Manille ! Ici il s’agit d’une version restaurée (numérisée 4K) et présentée à Cannes Classics en 2015.

C’est l’histoire d’Insiang, une belle jeune fille exploitée par sa mère, une véritable mégère. Cette dernière, après avoir chassé sa belle-famille de chez elle, ramène alors à domicile son dernier amant, Dado, un caïd du quartier qui pourrait être son fils ; Dado ne va pas tarder à vouloir séduire la jeune fille par tous les moyens.

Pour Insiang, il ne reste qu’une seule solution : s’enfuir avec son petit ami Bebot ! mais celui-ci en profite lâchement pour coucher avec elle… Puis c’est Dado qui va lui faire subir les derniers outrages. La vengeance d’Insiang sera terrible : puisque dans ce monde, il faut se montrer plus cruel que les autres, la belle va utiliser ses charmes pour l’assouvir, et ne fera pas de quartier !

Dès le début du film, on est saisi par l’ambiance du bidonville. La famille vit dans une pauvreté, une promiscuité, un niveau sonore qui nous happe totalement ; on se croirait presque dans un documentaire. Le quotidien du quartier est bien retranscrit, avec la petite épicerie où tout le monde passe, et devant laquelle les jeunes désœuvrés passent la journée en buvant de l’alcool… Puis le drame commence, et on se laisse séduire par les yeux de biche d’Insiang.

Un très bon film, avec une histoire forte, de bons acteurs, et dans un milieu social difficile et parfaitement rendu.

American Hero - Nick Love

Wed, 22 Jun 2016 15:35:45 +0000

Je suis allé voir ce film sans avoir aucune information préalable, sur la simple proposition d’un ami. Je suis donc entré dans la salle sans à priori, ne connaissant ni le réalisateur, ni le sujet… rien de rien !

À la sortie, j’étais tout de même légèrement circonspect : j’avais certes passé un moment agréable, avec de bons acteurs, décrivant une Amérique des laissés pour compte du système, qui ne croient plus en rien si ce n’est à l’amitié… Se laisser vivre, faire la fête (alcool, drogue, filles), et se soutenir mutuellement en cas de besoin semble leur seul horizon. Avec en supplément pour Melvin, le héros, l’obsession de revoir son fils qu’un divorce oblige à se tenir à distance.

Mais tout de même, ce “super-héros” qui ne se sert pas de son “super-pouvoir” (sauf pour gagner quelques dollars à l’occasion) alors que cela pourrait lui être très utile, c’est un peu étrange… Déjà, avoir un super-pouvoir est peu crédible, mais refuser volontairement de s’en servir l’est encore moins ! J’ai trouvé les scènes où il est fait démonstration de celui-ci un peu trop fréquentes dans le film, et d’un faible intérêt : comme si c’était la première fois que l’on voyait des effets spéciaux au cinéma.

À mon avis, le film n’aurait été que meilleur sans cet artifice : un type normal aurait très bien fait l’affaire (ou alors un “simple” surdoué !), et le film aurait gagné en crédibilité sur le portrait de cette Amérique : il y a tout de même une ambiance, dans cette Nouvelle Orléans et sa dure réalité sociale, où la solidarité et l’amitié sont sublimées, un côté touchant et très humain… À noter que les acteurs parlent parfois directement à la caméra, peut-être pour donner un aspect documentaire ? bon… Puis le film se termine, et on se demande bien à quoi rime tout ça.

Les habitants - Raymond Depardon

Mon, 09 May 2016 18:24:33 +0000

Un documentaire de Raymond Depardon, je me disais que ça allait être passionnant, et vu le sujet un instantané de la population française, avec ses préoccupations du moment.

Finalement, c’est l’ennui qui l’a emporté, et d’abord par la pauvreté des sujets abordés par les intervenants. Cela a peut-être un intérêt sociologique, mais pour le reste, que peut y trouver un spectateur ? je me le demande encore…

Le principe est simple : une caravane fait le tour de la France, est installée sur la place d’une ville moyenne, et des habitants rencontrés dans la rue sont invités à y continuer leur conversation, toujours par deux, assis à une table face à face, avec une caméra fixe qui les filme. Aucune question, ni demande particulière.

Alors de quoi parlent-ils ? de leurs problèmes personnels, sans recul ; et les lieux communs succèdent aux inepties, l’ensemble est consternant, à ras les pâquerettes la plupart du temps, quand ce n’est pas carrément vulgaire. Quand on sait que Depardon n’a retenu qu’un dixième de ses rushs, j’aimerais connaître ses critères, et je ne peux pas croire que ce soit un portrait représentatif de la population française.

Le summun est atteint avec ces plans où l’on suit la caravane à l’entrée de chaque ville, suivis de la même caravane stationnée quelque part, filmée en plan fixe : sans doute l’occasion de gagner quelques minutes, ou d’épargner au spectateur un énième dialogue sans intérêt.

Autant s’asseoir à la terrasse d’un bistro et tendre l’oreille, il y a de bonnes chances pour que ce soit plus intéressant à suivre… sans oublier que cette pratique reste néanmoins impolie ;-).

Le cœur régulier - Vanja D'Alcantara

Fri, 22 Apr 2016 16:08:19 +0000

Je suis allé voir ce film un peu au hasard, après avoir tout de même vu la bande annonce… Ça avait l’air assez zen, se passant au Japon, ça m’a donné envie. Et je n’ai pas été déçu, c’est une belle histoire, au rythme lent, sans beaucoup de dialogues, aux paysages superbes, qui nous interroge sur nos vies et ce que nous en faisons.

Alice (Isabelle Carré) semble avoir tout pour être heureuse : un mari avec une bonne situation, deux enfants ados… À voir leur appartement, tout va bien financièrement… Un soir, son frère débarque après une longue absence, et semble rayonner de joie de vivre, quoique fauché.

Alors qu’il lui parle d’un projet qu’il ne sait encore comment financer, elle sort naturellement son carnet de chèque, puisque l’argent n’est pas un problème pour elle. Mais cela a pour effet de vexer son frère, qui s’en va immédiatement. Alice apprendra sa mort accidentelle un peu plus tard.

L’occasion pour Alice de se remettre en question, et de partir sur les traces de son frère, au Japon, où il lui avait avoué avoir retrouvé le goût de vivre auprès d’un vieil homme, Daïsuke (Jun Kunimura). Ce dernier habite au pied d’une célèbre (et magnifique) falaise où les Japonais en mal de vivre viennent parfois faire le grand saut. C’est ainsi que Daïsuke avait recueilli le frère d’Alice, et lui avait redonné goût à la vie.

Daïsuke est en fait un ancien policier, qui comme il le confie à Alice a “passé sa vie à arriver trop tard”, et a décidé d’essayer de sauver les personnes qui viennent traîner près du bord de la falaise…

Belle histoire, pleine de silences dus en partie à la barrière du langage, mais aussi parce que les rapports humains peuvent finalement s’en passer. Les paysages sont magnifiques, et le mode de vie simple des japonnais est le cadre parfait pour un retour aux choses essentielles, et réapprendre à écouter son cœur.

Vanja D’Alcantara est une réalisatrice Belge née en 1977. “Le cœur régulier” est son deuxième long métrage, “Beyond the steppes” son premier réalisé en 2010.

Jodorowsky's Dune - Frank Pavich

Sat, 19 Mar 2016 18:38:47 +0000

J’avais entendu parler de ce projet de film (hélas non concrétisé) lors d’un reportage sur Arte à la mort de Jean Giraud alias Gir alias Moebius (voir cet article).

Ce documentaire va donc nous raconter la genèse de ce projet incroyable, à grand renfort d’interview de Alejandro Jodorowsky, à qui Michel Seydoux l’avait proposé. Ce dernier avait une grande admiration pour Jodorowsky qui avait déjà réalisé deux films cultes, et lui proposa de choisir un sujet : Jodorowsky répondit du tac au tac Dune, le roman de science-fiction devenu culte de Franck Herbert. Un projet ambitieux…

Jodorowsky est un personnage complexe, un créatif, ayant participé à des mouvements surréalistes : les quelques extraits de ses deux films (El Topo » et « La Montagne sacrée ») que l’on peut voir dans ce documentaire le prouvent !! Il veut pour ce film “les meilleurs” : il va alors recruter du beau monde, et c’est cette histoire qu’il nous raconte, avec des anecdotes proprement incroyables.

Il recrute Moebius (pour ses dessins), Dan O’Bannon (qui vient de réaliser une série B de science-fiction, “Dark Star”, et dont le travail a plu à Jodorowsky), puis Hans-Ruedi Giger pour créer l’environnement très sombre des Harkonnen.

Ne reculant devant rien, Jodorowky va ensuite recruter Pink Floyd pour l’univers musical des Atréides (les gentils), et Magma pour celui des Harkonnen (les méchants).

Côté acteurs : Salvador Dali pour le rôle de l’empereur, Orson Welles pour celui du baron Harkonnen, Mick Jagger pour jouer Feyd-Rautha. Rien que ça… Vous n’imaginez pas comment il réussit à convaincre les deux premiers… Pour le rôle du jeune Paul Atréide, c’est son propre fils Brontis Jodorowsky qu’il choisit, alors âgé de douze ans ; il recrute alors Jean-Pierre Vignau, champion du monde de karaté, pour un entraînement aux arts martiaux qui durera deux ans !! Bronti confirme que ce fut très dur pour lui… Et puis il y a aussi David Carradine, Amanda Lear (que Salvador Dali impose)…. Un sacré casting, c’est le moins que l’on puisse dire.

On apprend aussi que Jodorowsky avait modifié la fin de l’histoire : Paul Atréide est tué par les Harkonnen (contrairement au roman de Franck Herbert), mais tel un Dieu continue à vivre dans chaque être vivant, dans la planète même, puis dans l’univers tout entier… Une fin peut-être trop mystique pour Hollywood.

Hélas, le film ne se fera pas : il manque cinq millions de dollars pour boucler le budget, et Hollywood se montrera trop frileux pour participer au projet. On peut les comprendre, le budget aurait probablement explosé ! Même la durée du film a du les faire hésiter, prévu pour durer entre douze et quinze heures !

Et quand le « Dune » de David Lynch sort, en 1984, Jodorowsky va finalement le voir (il s’y refusait), et éclate de rire : le film est, selon lui, complètement raté !!

Bon… le story-board existe toujours, les droits appartiennent à Richard P. Rubinstein, les chances de revoir Dune sur grand écran ne sont donc pas totalement perdues…

Suite armoricaine - Pascale Breton

Fri, 11 Mar 2016 19:01:02 +0000

Un film qui se passe en Bretagne, réalisée par une bretonne qui s’appelle Breton, difficile de ne pas y aller !

J’y ai passé un bon moment (le film dure 2h30, mais je ne les pas trop vue passées), même si en sortant je me demandais ce qu’avait voulu raconter la réalisatrice : une réflexion sur le temps qui passe empreinte de la nostalgie d’un passé perdu ou oublié ? C’est plutôt réussi sur ce point.

C’est l’histoire de Françoise, enseignante en histoire de l’art qui revient à Rennes enseigner à l’université où elle a elle-même suivi les cours dans sa jeunesse. C’était aussi l’époque des premiers concerts rocks à la salle de la Cité… Elle retrouve certains de ses amis d’enfance, et le temps a fait son œuvre… certains ont changé, d’autres pas… et d’autres encore ont perdu pied.

En parallèle, on suit l’histoire de Ion, un jeune étudiant dans la même université qui a un vécu difficile avec sa mère qu’il rejette car devenue SDF. On apprend plus tard que sa mère faisait partie des amies d’enfance de Françoise, apportant enfin un lien (bien tardif à mon goût) entre ces deux histoires.

Il y a d’ailleurs quelques scènes revues deux fois, chacune sous l’angle de ces deux histoires parallèles, sans doute censées montrer le lien entre elles, mais qui ne m’ont pas convaincu de leur utilité.

Françoise, toute à son retour aux origines, fait un rêve empli de symboles qui va intéresser deux profs qui collectent toute information liée au Breton et à l’histoire de la Bretagne. Des souvenirs d’enfance, oubliés au fond de sa mémoire, vont alors ressurgir… L’occasion à la fin du film de partir pour le Finistère, près Trégarvan sur la presqu’île de Crozon (et d’y découvrir au passage une magnifique boucle de l’Aulne !), et pour Françoise de retrouver la maison de son grand-père, qui avait le don de guérir de la peur…

Pascale Breton, née en 1960 à Morlaix, est une scénariste et réalisatrice de cinéma et de télévision.

Merci Patron - François Ruffin

Wed, 02 Mar 2016 16:44:01 +0000

Je ne peux que vous encourager à aller voir ce documentaire, j’y ai passé un très bon moment, et je n’étais manifestement pas le seul dans la salle : applaudissements à la fin de la projection, et de nombreux rires pendant. Jubilatoire !

François Ruffin, qui a collaboré longtemps à l’émission “Là-bas si j’y suis” de Daniel Mermet sur France Inter, habillé d’un magnifique tee-shirt “I ♥ Bernard”, nous explique tout d’abord comment Bernard Arnault, PDG de LVMH, a mis au chômage beaucoup d’ouvriers du Nord de la France, en restructurant, démantelant, externalisant, etc… (on connaît la musique).

J’ai bien aimé le ton “second degré” de ce début, comme par exemple quand il tente de faire dire du bien de Bernard Arnault à une syndicaliste qui a retrouvé un boulot (mieux payé) d’ambulancier depuis son licenciement : “C’est quand même un peu grâce à lui que vous avez trouvé ce poste, non !?!”…

Puis commence la véritable histoire, celle du couple Klur, tous deux licenciés de l’usine qui fabriquait des costumes Kenzo (groupe LVMH), délocalisée en Pologne (mais on apprend au passage que la Pologne devient chère, et que la Grèce semble offrir un nouveau potentiel de marges…). Ils sont au bout du rouleau, leur maison est sur le point d’être saisie…

C’est là que Ruffin intervient, et va les aider à écrire une lettre à Bernard Arnault pour lui demander de les aider, sinon ils envoient des lettre aux médias pour leur raconter l’histoire… La somme demandée est d’environ 35 000 €. Et ça marche ! On apprend d’ailleurs que le responsable sécurité/intelligence économique de LVMH, c’est un certain Bernard Squarcini !! Bref, un type est envoyé pour négocier, qui non seulement accepte le paiement mais promet en plus un CDI chez Carrefour à Monsieur Klur… Champagne !

Mais cet arrangement est assorti d’une clause de confidentialité très sctricte. Alors comment retrouve-t-on aujourd’hui cette histoire sur les écrans ? c’est là qu’on atteint les sommets de la rigolade, et la mystification totale de l’équipe LVMH… Allez voir ce documentaire pour le savoir ! ;-)

Enfin… si vous trouvez une salle près de chez vous ! À Rennes, il passe au TNB. Et comme l’expliquait un article du Canard la semaine dernière, n’attendez pas trop de promotion pour ce documentaire dans les grands médias : LVMH est propriétaire des “Échos” et du “Parisien”, et le magazine “Elle” (propriété du groupe Lagardère) est trop “publicité dépendant” de LVMH. Frédéric Taddeï, sur Europe 1, avait bien invité Ruffin, le 23 févier, la veille de la sortie du film. Invitation rapidement annulée par la direction, à la stupeur de l’équipe (voir aussi le communiqué de la SNJ ici). Et comme cela commençait à jaser sur les réseaux sociaux, c’est finalement Jean-Michel Aphatie qui invita Ruffin le lendemain, pour que “l’auditeur ne soit pas dupe, et que la contradiction soit vigoureusement portée à l’encontre de Ruffin”. Autre manière de faire, “Le journal du dimanche” (groupe Lagardère) réussit l’exploit de dire du bien du film sans citer LVMH…

Les saisons - Jacques Perrin

Sat, 20 Feb 2016 16:13:03 +0000

Très déçu par ce documentaire, qui ne tient pas toutes ses promesses. Certes, on a droit à de très belles images d’animaux dans la nature (rien de très nouveau sur ce point), mais le reste ne suit pas : le cycle des saisons devrait être le fil rouge (sinon pourquoi le titre ?), mais il n’est pas perceptible, pas plus dans les images que dans les commentaires de la voix-off.

La présence de l’homme apparaît peu à peu, d’abord simple silhouette derrière les arbres, puis chasseur-cueilleur vivant au cœur de la forêt… pour finalement envahir et transformer complètement le paysage, remplaçant la forêt par des terres cultivées. Heureusement, la voix-off nous rassure : ainsi s’ouvre de nouveaux espaces pour les animaux… Un peu optimiste, comme vision, non ? L’impact de l’homme sur la nature est tout de même dénoncé sur la fin, mais très très mollement. Et puis, on le savait déjà…

De la même manière, les rares scènes où un animal en chasse un autre pour le déchiqueter à pleines dents, le réalisateur a pris soin de mettre un tronc d’arbre entre la scène et la caméra, car il ne faudrait tout de même pas choquer les spectateurs… On voit que le public visé doit être le plus large possible, et ne choquer personne : distribution mondiale oblige !

Bref on ressort de la salle avec un sentiment d’ennui et de déjà vu. Derrière moi, il y avait une petite fille qui posait plein de questions à son papa : c’est peut-être la seule raison d’aller voir ce film : avec et pour les enfants.

Janis - Amy Berg

Wed, 20 Jan 2016 18:28:22 +0000

Je n’ai pas vraiment hésité quand j’ai vu ce film à l’affiche… Un documentaire qui s’attache à retracer la (trop courte) vie de Janis Joplin, ça ne se refuse pas !

La réalisatrice Amy Berg a passé sept années à retrouver des photos, des vidéos, des témoignages (dont certains inédits, comme l’interview de Dick Cavet, un animateur de talk show de l’époque, qui nous fait une petite confidence à propos de Janis de manière très élégante), pour dresser un portrait de Janis Joplin tout en finesse, qui nous fait découvrir la femme qu’était réellement la pop-star des années 60, qui personnifia le Flower Power !

Et ce portrait est terriblement humain, avec cette jeune fille née au Texas, de parents très conservateurs, pas très jolie mais avec une joie de vivre inépuisable. L’anecdote du concours au lycée qui élisait “le garçon le plus moche”, et où un petit malin avait trouvé drôle de mettre le nom de Janis, bientôt imité par tous les autres, est révélateur de son malaise. Elle fera bien de vite partir vers San Francisco où le monde bouge…

Pourtant, elle rencontrera le grand amour alors qu’elle est au Brésil en train d’essayer de se désintoxiquer de l’héroïne… Mais comme elle rechute, ils vont se séparer tant qu’elle ne peut arrêter. Quelques mois plus tard, alors qu’elle est presque “propre”, que son ami lui a écrit qu’il revenait (la lettre sera trouvée à la réception), elle prend une dernière dose alors qu’elle est seule dans sa chambre d’hôtel, et meurt à 27 ans, deux semaines après Jimi Hendrix.

C’est donc un très bon documentaire qui décrit bien la personne qu’elle était, sensible, humaine, généreuse. Ses lettres à ses parents sont très touchantes (lues par Cat Power), empruntes d’un grand amour, même s’ils étaient si différents de part leur mode de vie. Dernière anecdote, quand sa mère déclare, à la sortie du premier concert public de Janis Joplin : “Nous allons dorénavant avoir du mal à avoir de l’influence sur Janis !”…

Bref, allez voir ce film, ou comme disait Janis : “Bougez-vous le cul et vivez les choses!”

Amy Berg, née en 1970, est une réalisatrice américaine. Elle a reçu un prix pour son documentaire “Délivrez-nous du mal” qui traite des abus sexuels dans l’église catholique. Pour elle, Janis Joplin est la femme la plus importante du rock’n’roll.

L'étreinte du serpent - Ciro Guerra

Wed, 06 Jan 2016 16:41:41 +0000

“Un rêve amazonien” est-il indiqué en haut de l’affiche… Il y est bien question de rêve, mais d’une sorte bien particulière, le rêve initiatique qui t’apprend qui tu es… Dès les premières images de ce film en noir et blanc, on est transporté dans un autre monde, au fin fond de l’Amazonie colombienne, et plus l’histoire va se dérouler, plus ce monde va nous paraître étrange…

Je crois qu’à la fin du film, le réalisateur indique que ce film est dédié à tous les peuples méconnus dont les modes de vies sont menacés. Et ce sont bien les indiens, leur culture qui sont au centre du film, sans oublier la forêt amazonienne et le fleuve qui sont omniprésents.

L’histoire est celle de Karamakate, un chaman amazonien qui vit seul dans la jungle, dernier survivant de son peuple. Des dizaines d’années de solitude ont fait de lui un chullachaqui, un humain dépourvu de souvenirs et d’émotions. Survient un explorateur américain à la recherche d’une plante sacrée, la Yakruna, qui a la propriété d’apprendre à rêver. Or quarante ans plus tôt, un autre explorateur, allemand cette fois-ci, avait sollicité l’aide du jeune Karamakate pour la même demande.

Présent et passé vont alors s’entrecroiser pendant qu’ils s’enfoncent dans la forêt amazonienne, nous racontant les deux expéditions. Peu à peu, Karamakate va retrouver ses souvenirs… La scène où Karamakate et l’explorateur américain reviennent dans la mission chrétienne est proprement hallucinante : le prêtre est mort, et les indiens sont devenus une sorte de secte proche de la folie. Mais il n’y a pas que les missionnaires qui ont semé la pagaille et la mort : le caoutchouc a aussi attiré beaucoup d’aventuriers prêts à tout pour s’enrichir, et détruisant par la même occasion la culture indienne.

Mais revenons à la trame du film, voilà ce qu’explique Ciro Guerra :

On retrouve l’idée, dans de nombreux textes sur le monde indien, d’une notion différente du temps. Le temps n’est pas une continuité linéaire, tel que nous l’entendons en Occident, mais une série d’événements qui ont lieu simultanément dans plusieurs univers parallèles. C’est ce qu’un écrivain a décrit comme « le temps sans temps » ou « l’espace sans espace ». J’ai fait le lien avec cette idée des aventuriers qui mentionnaient le fait que, bien souvent, lorsque l’un d’eux revenait 50 ans après le passage d’un autre, l’histoire du premier avait déjà pris la forme d’un mythe. Pour beaucoup de communautés, c’était toujours la même personne qui revenait parce que l’idée d’un seul homme, d’une seule vie, d’une unique expérience vécue à travers de nombreuses personnes était profondément ancrée. Cette idée m’a semblé être un point de départ très intéressant pour le scénario parce que, bien que ce soit un film raconté du point de vue des Indiens et dont le personnage principal est un Indien, il offrait au spectateur des points d’accroche par le biais de ces personnages qui viennent de notre monde et dont on comprend les motivations. Puis, lentement, à travers eux, on cède le pas à la vision du monde indien que nous offre Karamakate.

Un très bon film, avec une histoire aussi étrange que passionnante. Les acteurs indiens (en particulier Karamakate jeune et vieux) sont remarquables.

Ciro Guerra, né en 1981, est un réalisateur colombien. Ce film est son troisième long métrage.

Le dernier jour d'Yitzhak Rabin - Amos Gitaï

Tue, 29 Dec 2015 18:42:12 +0000

Ce film retrace l’enquête qui suivit l’assassinat de Yitzhak Rabin par Yigal Amir, un étudiant juif religieux d’extrême droite, en 1995, mettant ainsi fin à l’espoir d’une paix possible entre Israël et la Palestine (les accords d’Oslo).

Mêlant les images d’archives et une reconstitution des interrogatoires réalisés par la commission d’enquête, le film est proche du documentaire. Il ne tire pour autant pas de conclusions sur les potentiels instigateurs de l’attentat, la commission d’enquête se limitant (sur ordre) à savoir s’il y a eu des négligences du service de sécurité. Au spectateur de se faire sa propre idée pour le reste…

Il semble bien que des rabins extrémistes aient prononcé un “Din Rodef” (un équivalent de la Fatwa des musulmans) contre Yitzhak Rabin au nom du “Grand Israël” que les accords d’Oslo remettaient en cause en accordant aux Palestiniens le contrôle de certaines parties du territoire. Dans une scène, on voit que ces extrémistes religieux ne reconnaissent pas vraiment l’autorité du gouvernement de la démocratie israélienne. Ils se placent au-dessus, et seuls les textes sacrés comptent.

La scène avec la psychiatre qui livre aux religieux son analyse “professionnelle” en qualifiant Rabin de schizoïde, et comme tel incapable de percevoir la réalité et donc de prendre les bonnes décisions est assez révélatrice du mélange des genres permettant toutes les justifications.

Le rôle du Likoud (parti politique sioniste israélien de tendance nationaliste), et de son leader Benyamin Netanyahou (actuel premier ministre) n’est pas non plus à négliger, car il appelait à la division avec un discours de haine et de violence. On voit bien à l’heure actuelle la politique qu’il applique, et l’absence de progrès d’un quelconque processus de paix.

S’il y a bien eu des lacunes du service de sécurité, rien ne permet de dire qu’ils aient été volontaires. La zone où Yitzhak Rabin a été abattu n’avait pas été “stérilisée” comme cela aurait du être le cas, et le chauffeur n’avait pas été informé du parcours d’urgence à utiliser pour sortir, perdant ainsi un temps précieux pour emmener Yitzhak Rabin à l’hôpital (8 minutes pour faire 500 mètres à cause des rues bloquées par la police).

J’ai trouvé ce film passionnant, et s’il dure 2h30, je ne les ai pas vraiment vu passer. La clef de toute cette histoire, ce sont les extrémistes religieux, minoritaires mais voulant décider pour tout le peuple. Mais qui sera vraiment surpris ? La question sous-jacente, c’est de savoir si Israël est vraiment une démocratie (la seule de la région).

Amos Gitaï est un cinéaste israélien né en 1950 à Haïfa. Il entame en 1968 des études d’architecture qu’il doit interrompre en 1973 pour aller servir sous les drapeaux lors de la guerre du Kippour, où il sera blessé. Cinéaste prolifique, il devra s’exiler en France entre 1983 et 1993 suite à son film “Journal de campagne” retraçant l’invasion du Liban en 1982.

Ixcanul - Jayro Bustamante

Mon, 14 Dec 2015 17:37:17 +0000

Encore un très bon film, V.O. en langue Maya (ce qui doit être assez rare), ce qui se révélera être la clef du film lors de l’épilogue que je n’ai pas vu venir et qui m’a laissé coi !…

Maria, une jeune fille de 17 ans, vit avec ses parents au pied d’un volcan au Guatemala. Ils sont pauvres, et vivent de la récolte du café, travaillant pour le compte de propriétaires terriens. Maria est promise au fils du propriétaire, qui vient de perdre sa femme, mais elle rêve d’échapper à son destin en s’enfuyant avec Pepe, un jeune travailleur qui compte partir aux États-Unis, pays de toutes les promesses d’une vie meilleure (“c’est là, derrière le volcan, il y a juste le Mexique à traverser”).

Mais Pepe veut que Maria “soit gentille” avant de lui promettre quoi que ce soit. Un soir, Maria vient le retrouver avec une bouteille d’alcool (ce même alcool blanc que, dans la scène assez drôle d’ouverture, on voit la mère faire boire à un verrat trop peu enclin à faire son office !). Maria va s’offrir à Pepe, et se retrouver enceinte…

La suite, je vous laisse la découvrir… La mère de Maria, une femme forte et courageuse, va la défendre et lutter pour sa fille (l’actrice et le rôle sont magnifiques). Ces familles vivent encore sous le poids des superstitions, mâtiné de religion chrétienne, et totalement dépendants des propriétaires, car ne parlant pas l’espagnol, la langue officielle (et encore moins l’anglais). C’est donc le fils du propriétaire qui fera office d’interprète auprès des autorités, et bien sûr, il en usera à son profit.

Un film fort, avec des paysages somptueux, et qui traite du problème social de ces populations, sans aucune éducation, qui sont littéralement pieds et poings liés aux propriétaires terriens, sans réel espoir d’une vie meilleure. Que faire quand on est un étranger dans son propre pays ?

Jaryo Bustamante, né en 1977, est un réalisateur, scénariste et producteur guatémaltèque. Il a étudié le cinéma à Paris et à Rome.

Une histoire de fou - Robert Guédiguian

Sun, 06 Dec 2015 10:05:46 +0000

Encore un film qui m’a bien plu, merci à la bonne programmation du TNB de Rennes.

Cette fois c’est un film sur le génocide arménien, ou plutôt comment sa mémoire est traitée et vécue par la génération suivante, pouvant amener à la lutte armée, et celle-ci offrir une rencontre inattendue.

Le film commence en 1921 (filmé en noir et blanc), lors du procès en Allemagne d’un arménien qui a assassiné d’une balle dans la nuque Talaat Pacha, le principal responsable du génocide arménien organisé par la Turquie. Soghomon Thelirian, l’auteur de cet acte, et dont la famille a été entièrement exterminée, sera acquitté par le jury populaire ! Une vérité historique qu’il est bon de rappeler.

Puis on bascule à Marseille en 1975 (et en couleur) : une famille arménienne, les parents tiennent une épicerie orientale, alors que leur fils Aram se radicalise car la lutte pacifique pour l’indépendance de l’Arménie n’a abouti à rien de concret depuis cinquante ans. Il commet un attentat à la bombe contre l’ambassadeur de Turquie à Paris, et blesse grièvement Gilles, un innocent cycliste qui passait par là au mauvais moment ; il va perdre l’usage de ses deux jambes.

Alors qu’Aram part au Liban rejoindre l’armée de libération de l’Arménie à Beyrouth, sa mère rend visite à Gilles sur son lit d’hôpital. Va alors naître une étrange relation, pleine d’humanité, entre Gilles et les parents d’Aram. Gilles qui n’avait jamais entendu parlé du génocide arménien va peu à peu se rapprocher de la famille, des liens vont se tisser, et il finira par se rendre à Beyrouth avec la mère d’Aram pour rencontrer ce dernier, pour une ultime explication avec celui qui a fait basculer sa vie…

Robert Guédiguian, né en 1953 à Marseille, est un cinéaste français d’origine arménienne.

Le bouton de nacre - Patricio Guzmán

Wed, 11 Nov 2015 17:36:37 +0000

Si le dernier film que j’ai vu, Fatima, m’avait fait penser à un documentaire, cette fois c’est l’inverse avec ce documentaire en forme de film…

Il y a deux sujets abordés dans ce documentaire, celui des indiens premiers habitants de la Patagonie tout au sud du Chili, et celui des disparus de la dictature de Pinochet que l’on jetait en pleine mer d’un hélicoptère. Le bouton de nacre est le lien entre les deux…

Le bouton de nacre qu’accepta un indien pour être emmené en Angleterre à des fins “civilisatrices” par un capitaine qui eût le bon goût de le renommer Jemmy Button (à son retour, il fut incapable de se réinsérer parmi son peuple)… puis le bouton de nacre que l’on retrouva sur un morceau de rail servant à lester les corps des victimes de la dictature chilienne et jetés à la mer.

L’eau est le fil conducteur du film, source de vie dans l’univers… Les peuples qui vivaient en Patagonie chilienne (immense archipel d’îles et de fjords) avait un rapport étroit avec l’eau. Il ne reste plus aujourd’hui qu’une vingtaine de descendants de ces ethnies, décimées par l’arrivée des colons (maladies), et puis exterminées lors de véritables battues humaines dans la deuxième moitié du XIXe siècle…

Les images sont magnifiques, et la voix du réalisateur nous conte cette double histoire, nous emmenant dans un véritable voyage à travers l’espace et le temps pour nous parler de l’histoire son pays. Tout cela est parfaitement maîtrisé, et d’une grande beauté !

Fatima - Philippe Faucon

Tue, 27 Oct 2015 18:56:05 +0000

Je suis allé voir ce film au TNB de Rennes, puisque je suis désormais Rennais… et que la programmation du TNB a l’air de qualité, loin des blockbusters que les grandes salles nous proposent.

À vrai dire, je n’ai pas été plus enthousiasmé que ça par ce film en fait plus proche d’un documentaire social, fait de courte scènes qui se suivent les une après les autres, pour finir par former le portrait de cette femme courageuse qui fait tout son possible pour élever ses deux filles.

Fatima est divorcée ; Nesrine, sa fille aînée, est sérieuse et entame des études de médecine qu’il va falloir financer ; Souad, sa seconde fille est encore lycéenne et en pleine rébellion. Fatima leur parle en arabe, ses filles lui répondent en français.

Le problème traité est celui de cette femme qui ne peut pas vraiment s’intégrer, travaille très dur pour ses enfants, et pourtant le fossé se creuse avec Souad, qui ne mâche pas ses mots pour lui dire ce qu’elle pense de tout ça. Cette scène le résume très bien :

Le rythme général est vraiment très lent, et la chronologie absente, si bien que j’étais tout surpris de voir Nesrine attendre les résultats de sa première année de médecine à la fin du film… C’est ce qui m’a gêné à la sortie du ciné, il n’y a pas vraiment d’histoire, juste des scènes sur le sujet collées les unes aux autres. Mais il y a une douceur dans le portrait dressé de cette femme qui fait pardonner bien des choses…

La loi du marché - Stéphane Brizé

Mon, 15 Jun 2015 16:28:03 +0000

J’ai eu envie de voir ce film d’abord pour le sujet, puis aussi pour l’acteur Vincent Lindon, qui a reçu pour ce rôle le prix d’interprétation masculine au festival de Cannes 2015. Ce sera le seul prix pour ce film, malgré 8 nominations, et franchement ce n’est pas une surprise une fois sorti de la salle.

Le sujet donc, celui d’un certain Thierry, la cinquantaine, au chômage, père d’un enfant handicapé (le chômage ce n’était pas assez), cherche désespérément un boulot. Il trouve finalement un boulot de vigile dans une grande surface, à surveiller d’éventuels vols, tant par les clients du supermarché que par les caissières. Boulot qui va vite l’écœurer…

Voilà, vous savez tout de l’histoire, et ce ne sont pas les longs plans séquence filmant “Vincent Lindon à Pôle Emploi”, “Vincent Lindon à la banque”, “Vincent Lindon apprend à danser le rock”, etc… qui vont vous en apprendre beaucoup plus. Le film est extrêmement lent, ces longues scènes aux dialogues finalement assez pauvres, au cadrage incertain offrent peu d’intérêt : Pôle Emploi propose des stages inutiles, la banquière essaie de refourguer un crédit plus élevé à son client déjà en mauvaise situation, Thierry veut vendre son mobil-home mais pas à prix cassé (il y a toujours des méchants profiteurs)… Passionnant !

Et on atteint les sommets lorsque Thierry se retrouve vigile : cette fois, on va avoir droit plusieurs fois à la même scène, où le vigile et son responsable amène un contrevenant (client ou collègue) dans un local exigu pour lui faire reconnaître le délit. Dialogues encore très pauvres, voire répétitifs, Vincent Lindon toujours présent à l’écran mais peu loquace. Puis Thierry décide finalement de quitter définitivement son poste : écran noir, fin du film, et moi aussi je décide de quitter la salle, ressentant probablement le même soulagement. ;-)

De plus, j’ai trouvé que c’était mal filmé : mauvais cadrages, caméra à l’épaule qui bouge, flou… Bref, un film plutôt à éviter, n’est pas Ken Loach qui veut !

Timbuktu - Abderrahmane Sissako

Fri, 06 Mar 2015 18:47:23 +0000

Cela faisait longtemps que je voulais aller voir ce film. J’avais regardé les salles disponibles lors de sa sortie (en décembre), mais peu de salles le proposaient. Aujourd’hui, avec tous les césars obtenus (pas moins de sept !), c’est devenu beaucoup plus facile.

La première chose qui frappe dans ce film, c’est le rythme : c’est assez lent, mais c’est le rythme de l’Afrique saharienne, et il est parfaitement rendu. On rentre tout doucement dans l’histoire, et on se laisse vite emporter, ne serait-ce que par la beauté des paysages.

Kidane, un touareg, vit avec sa femme et sa fille non loin de Tombouctou, sous une tente au milieu des dunes. La vie est calme, on boit le thé allongé sous la tente, ou l’on joue de la guitare dans la même position… Les dialogues entre Kidane et sa femme sont magnifiques, beaucoup de choses sont dites avec peu de mots et beaucoup d’amour.

À la ville, les djihadistes ont pris le pouvoir, et annoncent chaque jour de nouvelles interdictions : fumer, jouer au football, jouer de la musique… les femmes doivent porter des chaussettes et des gants (en plus du voile bien sûr), ce qui pose un problème à la marchande de poissons ! Lorsqu’une jeune fille a le malheur de plaire à l’un d’eux, elle sera mariée de force.

Pas de caricature grossière ici, on voit des hommes qui ne parlent pas la langue du pays, qui ne connaissent pas la culture locale, et qui n’ont qu’un mot à la bouche : interdiction ; tout cela au nom du djihad (eux-mêmes ne les respectant pas, fumant en cachette par exemple). Même le vieil imam de la mosquée de Tombouctou ne peut rien y faire, malgré toute sa sagesse et sa grande connaissance de la religion. Le djihad donne tous les droits.

On arrive donc tout de même à sourire, c’est aussi la force de ce film, au moins dans la première partie. Les habitants restent très calmes devant cette bande armée avec leurs interdictions ridicules, et se débrouillent pour les contourner quand c’est possible. Mais quand les procès tombent, et que la charia est appliquée sans grand discernement… Là, on ne rigole plus du tout. La scène de lapidation, même très brève, est un véritable choc.

Kidane se croit à l’abri au milieu des dunes. Mais un conflit avec un pêcheur qui a tué une de ses vaches (appelée GPS !) va l’amener devant le tribunal, et sa vie va basculer.

Abderrahmane Sissako réussit un très beau film, empreint de poésie et de douceur, sur un sujet pourtant difficile et violent.

White God - Kornel Mundruczó

Wed, 03 Dec 2014 17:54:29 +0000

Cela faisait quelques jours que sur France-Culture, une petite bande annonce parlait de ce film. Échaudé par les deux précédents films que j’étais allé voir (cf. articles précédents), je me suis dit : cette fois, je ne vais pas être déçu. Sentiment confirmé par la participation d’Arte affiché lors du générique de début.

Hélas, ce fût encore une déception. Le plus drôle c’est que j’avais le “Canard enchaîné” du jour dans la poche, sans être pour autant arrivé à la page spectacle. Ce n’est qu’après le film que je l’ai lu la critique. Je vous la livre telle quelle, ce sera dix fois mieux que tout ce que je pourrais dire :

Tout part d’une vision : dans Budapest désert, une horde de chiens poursuit une enfant à vélo… Puis ce long-métrage ambitieux de Kornel Mundruczó se vautre longuement dans le film animalier cucul : une petite fille veut sauver son gentil toutou bâtard du monde cruel des hommes. Avant un brusque virage vers le film quasi fantastique à prétention philosophique : ledit bâtard, dressé au combat par un malfrat, dirige la vengeance du peuple chien contre les hommes…Selon un shéma rappelant étrangement “La planète des singes” ! Cette fable canine, plombée par la musique grandiloquente, a décroché le grand prix de la section “Un certain regard” à Cannes. A croire que le jury a été mordu ! - D.F.

Respire - Mélanie Laurent

Wed, 03 Dec 2014 17:21:03 +0000

Cinéma encore, et cette fois un film vu totalement au hasard : il y avait des travaux à l’appartement, un collègue m’a filé un ticket Gaumont, et j’ai choisi une fois devant le ciné : il y avait Interstellar, mais je me suis dit “trop d’effets spéciaux”… J’ai vu cette affiche, film français… allez, on y va !

Franchement, je n’ai trouvé aucun intérêt ni à cette histoire, ni à ces jeunes actrices (si ce n’est qu’elles sont très jolies). Quel ennui !

L’histoire : une lycéenne sensible (crédule ?) se fait manipuler par une autre (très narcissique) jusqu’au harcèlement. Voilà, tout est dit, il n’y a plus qu’à dérouler les plans les uns derrière les autres, où les deux jeunes filles pourront partager une cigarette quoiqu’il arrive ; à se demander si l’industrie du tabac a sponsorisé le film… Même si c’est bien filmé, avec une belle lumière, pour le contenu, on repassera.

Le film est tiré d’un premier roman éponyme d’Anne-Sophie Brasme (écrit à 17ans) , qui a marqué la réalisatrice dans son adolescence… alors bon, peut-être les ados le trouveront-ils intéressant ?

Là encore, très content de sortir de la salle, et je regrettais presque les effets spéciaux d’Interstellar !

Gone girl - David Fincher

Wed, 03 Dec 2014 16:24:54 +0000

Je suis allé voir ce film avec des amis, sans que ce soit vraiment un choix, ou disons par défaut : petit cinéma, une seule affiche ce soir là, l’envie de sortir, et puis bon, un thriller avec Ben Affleck, “ça devrait le faire”…

Effectivement, l’intrigue est plutôt pas mal, même si j’ai trouvé le début très lent (il faut attendre presque une heure pour que ça démarre vraiment).Le dénouement de son côté m’a paru plutôt étrange (mais pourquoi reste-t-il avec elle ?)…

Quant à la psychologie des personnages, surtout cette femme “si intelligente”, on est en droit de se poser des questions… qui nous ramènent irrémédiablement au manque de crédibilité de l’ensemble : l’impact des vilains médias notamment… mais on est aux États-Unis, n’est-ce pas ? autant forcer le trait.

À la réflexion, l’auteur aurait pu s’abstenir de modifier l’ordre chronologique (comme dans les romans, je trouve cela rarement réussi) : cela aurait rendu le début du film beaucoup plus rapidement intéressant. C’était aussi sans doute l’occasion de réduire la durée du flm : 2h30 !

Franchement, j’étais content de sortir de la salle !

Après Mai - Olivier Assayas

Sun, 18 Nov 2012 17:22:56 +0000

Je suis allé voir ce film ce week-end, curieux de voir comment étaient traitées les années qui suivirent mai 68. Les critiques étaient plutôt bonnes, mais peut-on encore vraiment se fier aux critiques ?

Celle du Canard parlait de prise directe avec le réel de l’époque, de l’esprit libertaire qui y régnait, « une fresque sur la jeunesse d’extrême gauche », et concluait par un mystérieux « reste à savoir si ceux qui l’ont vécue retrouveront l’esprit de l’époque dans ce film en miroir ».

Le film commence (nous sommes en 1971) par une manifestation violemment réprimée par la police et les brigades spéciales d’intervention, armées de matraques sur leurs motos. Pasqua et Pandraud n’avaient rien inventé avec leurs voltigeurs, rendus tristement célèbres avec l’affaire Malik Oussekine en 1986. Et déjà ça tapait fort !

Ensuite, nous allons suivre les aventures de Gilles, jeune étudiant aux Beaux-Arts passionné de peinture, engagé dans l’action tout en restant lucide (distant ?) sur l’engagement politique, mais aussi amoureux abandonné qui tarde à se consoler. Et c’est là que j’ai été un peu déçu : étudiant de milieu aisé, artiste au vague à l’âme, voyageant à Londres ou Rome, travaillant pour son père metteur en scène de Simenon… Si on parle des ouvriers, on n’en voit pas beaucoup, et les souvenirs du réalisateur ont du mal à décrire une époque.

Si c’est autobiographique, cela reste sans doute un bon témoignage, mais vu à travers le filtre d’Olivier Assayas. Les discussions politiques, l’engagement et le respect de la doctrine pour certains, le doute et la prise en compte de son avenir personnel pour d’autres… tout cela au milieu d’une jeunesse éprise de liberté, sur fond de libération sexuelle, de joints et de musique pop, sans oublier le voyage mystique en Afghanistan.

J’ai bien aimé la scène où Gilles tient des ses mains « Les habits neufs du président Mao » de Simon Leys. Un activiste (sans doute maoïste) lui dit alors que Leys est un agent de la C.I.A payé pour faire une propagande capitaliste contre-révolutionnaire. Gilles répond par la vérité, à savoir que c’est un sinologue belge, et premier intellectuel à dénoncer les horreurs de la révolution culturelle chinoise.

Cette petite anecdote montre bien comment il pouvait être difficile de trouver sa propre voie dans cette explosion d’une jeunesse qui voulait changer le monde.

Dans une autre scène, toute aussi courte, trente secondes de cours de philo permettent de placer le nom de Max Stirner. Sans plus d’explications, comme une liste que l’on déroule.

Le film souffre également d’une certaine lenteur, et on finit par s’ennuyer un peu entre le manque de contexte et les amourettes des uns et des autres. La bande son par contre est pas mal :

Soft Machine - Why Are We Sleeping? (1968)
The Incredible String Band - Air (1968)
Captain Beefheart & His Magic Band - Abba Zaba (1967)
Booker T & the M G ’s - Green Onions (1962)
Tangerine Dream - Sunrise In The Third System (1971)
Dr. Strangely Strange - Strings In The Earth And Air (1969)
Nick Drake - Know (1972)
Syd Barrett - Terrapin (1970)
Kevin Ayers - Decadence (1973)

Olivier Assayas est un réalisateur et scénariste français, né le 25 janvier 1955 dans le XVe arrondissement de Paris.

Paranoid Park - Gus Van Sant

Tue, 25 May 2010 18:04:12 +0000

C’était il y a déjà quelques semaines, j’ai regardé Paranoid Park sur Arte. Je ne savais pas trop à quoi m’attendre, mais je faisais confiance à Gus Van Sant, réalisateur de Good Will Hunting que j’avais beaucoup apprécié, ainsi qu’ Elephant, toutefois dans un registre plus particulier (le drame du lycée de Columbine).

C’est donc l’histoire d’Alex, un adolescent de Portland (Californie), fan de skate qui se rend souvent à «Paranoid Park», LE terrain de glisse où se retrouvent les meilleurs skaters du coin… encore faut-il oser affronter le regard des autres : ne dit-on pas que personne n’est jamais assez mûr pour «Paranoid Park» ? … Le corps d’un homme est retrouvé non loin de là, coupé en deux par un train, et la police enquête. Est-ce un accident ? Que s’est-il passé ? Quelqu’un a-t-il vu quelque chose ?

Passé les premières minutes, on se laisse emporter par la narration toute en subtilité et pleine de poésie de Gus Van Sant. Alex va être interrogé par la police comme tous les skaters du lycée. L’interrogatoire du flic est révélateur : il tente désespérément de la jouer “pote” avec Alex, du genre “moi aussi j’ai été jeune”… pitoyable ! on comprend vite dans quelle société vit Alex, et le peu de place qu’il y trouve. Il n’exprime rien, totalement hermétique au monde des adultes, mais gardant une façade amicale, cool. Les quelques scènes où l’on aperçoit sa mère ne font que renforcer ce sentiment et c’est encore une fois remarquablement filmé : la mère apparait en arrière-plan, incomplète, ou alors ce n’est qu’une ombre ou même une voix. Les dialogues font le reste. Tout est dit en quelques plans. Les scènes de skate sont elles filmées comme un espace de liberté, presque onirique.

Cerise sur le gâteau, quel ne fût pas mon plaisir de découvrir que deux morceaux d’Elliott Smith font partie de la bande son : Angeles et The White Lady Loves You More. Gus Van Sant est décidément un fan, son film “Good Will Hunting” comportait déjà plusieurs titres de ce grand song-writer américain que fût Elliott Smith. Je ne résiste pas au plaisir de vous proposer le second morceau :

[audio:/wp-content/uploads/2010/05/TheWhiteLadyLovesYouMore.mp3]

Ce film est rediffusé samedi soir 29 mai sur Arte, à 1h10 : si vous êtes de sortie, à vos magnétoscopes !

Camping 2

Sun, 02 May 2010 16:29:16 +0000

« le Canard enchaîné » - mercredi 28 avril 2010

No country for old men

Thu, 08 Oct 2009 17:36:27 +0000

Les frères Coen m’ont bien souvent fait passer de bons moments. Le premier film que j’ai vu devait être Blood simple (Sang pour sang), puis Fargo, qui repassait la semaine dernière sur France 4 et que j’ai revu avec grand plaisir.

Ce que j’aime, ce sont ces histoires un peu décalées qui finissent systématiquement par foirer, pour une raison ou pour une autre, et bien souvent par la bêtise, les acteurs du drame se trouvant vite dépassés par la situation dans laquelle ils se sont (retrouvés pour certains) embarqués. Petits escrocs minables, voyoux dotés de peu de cervelle… Et la police, sans génie, finit par les coincer.

En revoyant Fargo, je m’amusais de la pauvreté des dialogues entre les gens du coin, de la lenteur des phrasés, terriblement ennuyeux mais tellement révélateurs d’un mode de vie : on parle peu, et de choses sans importance, et comme ça on évite les ennuis. La sagesse de la campagne…

Mais avec No country for old men, un cap est passé. Le voyou est un tueur psychotique, intelligent et dur au mal (c’est le moins que l’on puisse dire). Pour le traquer, un trafiquant de drogue fait même appel à un tueur à gages, lui ausssi plutôt inquiétant, et très sûr de lui…trop, car le premier aura facilement raison du second. Car malheur à tous ceux qui croisent sa route, il les tuera systématiquement : “Vous m’avez vu ?” répond-il laconiquement lorsqu’une victime lui demande s’il va la tuer.

Le Texas Ranger qui enquête, interprété par Tommy Lee Jones, en a pourtant vu au long de sa carrière. Mais là… il préfèrera abandonner l’enquête et prendre sa retraite, manifestement dépassé ! Le tueur quant à lui continuera vraisemblablement son chemin.

J’ai trouvé ce film trop violent, comme souvent avec les films américains. Une violence gratuite, folle, qui n’a pas de sens… Et bizarrement, l’épilogue apporte un sens à tout cela : la retraite du flic sonne le glas d’une époque, celle où le flic avait encore une chance d’arrêter le coupable.

Pour bien faire, les frères Coen devraient arrêter de faire ce genre de film, histoire d’enfoncer le clou : cette société génère des individus tellement dangereux qu’on ne peut plus traiter ce genre de sujet à la rigolade. Et peut-être revenir à des sujets comme The big Lebowski, tout aussi décalé mais encore plus drôle.

Etreintes brisées - Pablo Almodovar

Sat, 13 Jun 2009 10:59:39 +0000

Je suis allé voir le dernier film de Pablo Almodovar : Étreintes brisées, un peu par hasard puisque je prévoyais de voir Millenium !! Comme cela arrive parfois quand on regarde les horaires des films le mardi et que l’on y va le mercredi, il se peut que le programme ait changé… Ce fût le cas, et je me suis donc rabattu sur celui-ci, n’ayant jamais été déçu par les films de Pablo.

Et bien, ce fût le cas cette fois-ci. On reconnait bien la patte de Pablo Almodovar, un peu de son univers, de sa manière de raconter les histoires au gré de retours vers le passé, apportant peu à peu un éclairage souvent innatendu au récit. Et certes Pénélope Cruz est magnifique.

Mais l’histoire est finalement assez classique, voire peu intéressante, et vite décryptée. L’histoire d’un cinéaste… quand les cinéastes commencent à raconter des histoires de cinéastes, cela sent plutôt le manque d’inspiration… L’univers décrit est finalement très conventionnel, et on ne retrouve pas le côté décalé et très drôle des films précédents d’Almodovar.

Bon divertissement, sans plus. Et donc un peu déçu, surtout par rapport à ce que l’on était habitué à voir de ce cinéaste.

Bienvenue chez les Ch'tis

Sat, 19 Apr 2008 16:57:34 +0000

Le week-end dernier, je suis allé voir Bienvenue chez les Ch’tis, embarqué au Gaumont de Rennes par les Vallées de Chateaugiron (enfin surtout par les enfants, qui auraient fait une scène si nous n’y étions pas allé). Après une bonne galette à la crêperie des Quais en face le ciné (bien épaisse, et pas de la dentelle comme on voit trop souvent), nous voilà fin prêts.

C’est finalement une très bonne comédie, drôle, et plutôt bien faite (Kad Merad y est excellent). Rien de trop lourd, on joue sur les clichés bien sûr, mais sur un ton léger et le propos est clair : on est là pour rigoler. Et on se marre. J’ai particulièrement aimé la scène dans le village de mineurs reconstitué. Un gros délire, c’est soudain du Zola, avec toute la misère du monde. Hilarant. “Les mines sont fermées, mais on y habite toujours…”..

On peut attendre de le voir un soir à la télé, il a eu assez d’entrées comme ça. Mais on passera un bon moment en y allant ! Le journaliste et historien Antoine de Baecque a déclaré :« le succès de Bienvenue chez les Ch’tis entre exactement dans le cadre culturel de Sarkozy ». Si on peut se poser des questions sur la politique culturelle de notre président, ne boudons pas notre plaisir pour autant.

Into the Wild - Sean Penn

Sun, 20 Jan 2008 17:34:13 +0000

Tirée d’un roman : Voyage au bout de la solitude, de John Krakauer, c’est l’histoire vraie de Christopher McCandless, un jeune américain qui, en 1990, à peine diplomé, abandonne tout et “prend la route” seul. Il refuse la société matérialiste, et quitte sa famille sans prévenir. Il va traverser l’Amérique, faire des rencontres, ne jamais s’attacher, puis prendre la direction de l’Alaska, pour se retrouver seul en pleine nature sauvage. La même quête que celle de Jack London, ou de Thoreau.

Si le film est bon (et long, 2h30), je suis resté un peu sur ma faim, les scènes sur la famille McCandless prennent trop de place sur l’aventure elle même. Certes, c’est important pour comprendre pourquoi il abandonne tout comme ça (et on a quand même vite compris), mais c’est forcément au détriment d’autres anecdotes survenues pendant son périple, qui auraient été autrement plus intéressantes. Sinon le rythme est un peu lent (un peu comme dans Une histoire vraie, de David Lynch), mais on reste bien accroché à l’histoire. Le découpage qu’a choisi Sean Penn ne m’a pas paru très utile, je crois que j’aurai préféré l’ordre chronologique, tout bêtement. Le jeune homme sera retrouvé mort en 1992, après une ultime farce de mère nature.

L’histoire mérite à elle seule d’aller voir ce film… ou de lire le bouquin !

Les invasions barbares

Tue, 10 Jul 2007 21:02:26 +0000

Hier soir sur France 2 était diffusé Les invasions barbares, un film québecois de Denys Arcand (2003). Je l’avais déjà vu il y a quelques mois, chez des amis qui avaient le DVD. Je l’ai revu avec un grand plaisir, et avec les mêmes émotions.

A Montréal, un homme, la cinquantaine, divorcé, professeur d’université entre à l’hôpital. Son ex-femme appelle son fils, qui n’a plus de liens avec son père depuis longtemps. Le fils fera tout pour adoucir les derniers jours de son père. Les amis et amantes de ce dernier vont venir les rejoindre, et ce sera l’occasion pour eux tous de parler de leurs vies, de la vie.

Malgré la difficulté du sujet, le film n’est jamais pesant. Les démêlés du fils avec le syndicat de l’hôpital, la police (il doit trouver de l’héroine pour épargner la douleur à son père) provoque des scènes très drôles. Et les dialogues percutants qui s’enchaînent laissent peu de place à la mélancolie.

Quel sens a-t-on donné à sa vie ? Ces intellectuels en discutent en toute franchise, d’un ton un peu désenchanté (l’âge aidant). Le sens de l’histoire, l’intelligence, la religion, le sexe, tout y passe. Les jugements sont souvent fulgurants et sans appel. L’amitié qui unit le groupe leur permet d’adoucir ces moments avec beaucoup d’humour et de recul. Malgré tout cela, l’émotion nous gagne à la fin.

Les invasions barbares a obtenu des nombreux prix (3 césars, 1 oscar, 2 palmes).

Un film remarquable.

Un singe en hiver

Fri, 27 Apr 2007 20:48:15 +0000

Grand moment de bonheur hier soir avec Un singe en hiver, de Henri Verneuil (1962). Dialogues de Michel Audiard (manifestement inspiré).

Première et seule rencontre Gabin - Belmondo, tous deux dans des rôles de prince de la cuite, ceux qui tutoient les anges… L’un en fin de carrière, quand pour l’autre elle s’avère prometteuse ! Ils se croiseront pour une cuite mémorable, se terminant sous un magnifique feu d’artifice. Le personnage de Landru, le boutiquier, joué par Noël Roquevert, est aussi excellent, servi par des dialogues ubuesques.

Voilà un des dialogues, tirés de l’excellent site Audiard.net:

-Ah parce que tu mélanges tout ça, toi ! Mon espagnol, comme tu dis, et le père Bardasse. Les Grands Ducs et les boit-sans-soif. -Les grands ducs… -Oui monsieur, les princes de la cuite, les seigneurs, ceux avec qui tu buvais le coup dans le temps et qu’ont toujours fait verre à part. Dis-toi bien que tes clients et toi, ils vous laissent à vos putasseries, les seigneurs. Ils sont à cent mille verres de vous. Eux, ils tutoient les anges ! -Excuse-moi mais nous autres, on est encore capable de tenir le litre sans se prendre pour Dieu le Père. -Mais c’est bien ce que je vous reproche. Vous avez le vin petit et la cuite mesquine. Dans le fond vous méritez pas de boire. Tu t’demandes pourquoi y picole l’espagnol ? C’est pour essayer d’oublier des pignoufs comme vous.

Une sorte d’hommage à la cuite ! En ces temps de diète, je me suis plus identifié à Gabin qu’à Belmondo… alors que la première fois que j’ai vu ce film…

The Snapper

Sat, 07 Apr 2007 16:38:45 +0000

Début du cycle Stephen Frears jeudi soir dernier sur Arte avec The Snapper (soit le lardon, ou le moutard en français). Une comédie tonique !

C’est l’histoire d’une famille de la classe ouvrière de Dublin: 6 enfants, des coups de gueule fréquents, des cuites au pub pour les plus grands…Bref, au début du film, on se demande dans quelle famille on est tombé: grossiers, peu éduqués, ils ne sont pas vraiment sympathiques.

Puis la fille aînée tombe enceinte (un soir de cuite), et refuse de dire qui est le géniteur. Après de fortes tensions (les rumeurs courent vite dans les pubs, tout finit par se savoir), la fille veut quitter le foyer familial. On va alors assister au rapprochement du père et de la fille: son père, plutôt rustre jusqu’ici, va s’ouvrir et montrer tout son amour et son humanité à sa fille. Il se met à lire des livres sur la grossesse, et se transforme littéralement en père idéal. La famille se ressoude… et le bébé naît: ce sera une fille.

L’acteur qui joue le rôle du père, Colm Meaney, est vraiment excellent.

C’est le début du cycle, Arte diffusera 5 films. The Snapper sera rediffusé dimanhe 15 à minuit. Et lundi prochain, ce sera Les liaisons dangereuses. A ne pas louper !

Les orgueilleux

Fri, 23 Mar 2007 18:01:02 +0000

Très bon film hier soir sur Arte: Les orgueilleux, de Yves Allégret (1954), avec Michèle Morgan et Gérard Philippe. Adapté du roman de Jean-Paul Sartre “Typhus” (Sartre a même participé à l’écriture du film).

Typhus se passe en Chine, mais pour les raisons d’une co-production Franco-Mexicaine, le lieu et la nature de l’épidémie ont changé…

Dans un bled paumé du Mexique, une femme (Michèle Morgan) va se retrouver bloquée par une épidémie (et veuve pour la même raison). Un Français (Gérard Philippe) vit dans ce village depuis 5 ans, ancien médecin devenu alcoolique à la suite de la mort de sa femme. C’est Pâques, que les mexicains fêtent à grands renforts de pêtards et de musique, tout cela sous un soleil de plomb. Dans ce monde précaire, dur et sans pitié, ils vont se rapprocher peu à peu, et l’alcoolique redeviendra médecin grâce à l’amour de cette femme.

Il y a des scènes époustouflantes, des dialogues d’une justesse sans concession sur l’âme humaine… C’est très fort. Dans la scène de la tentative de viol par exemple, on frise la perfection.

Ce n’est pas l’affiche française en tête de l’article, et elle ne traduit pas du tout l’ambiance du film, mais elle est plutôt jolie, stylée. Ci-contre l’affiche française, beaucoup plus classique, situe mieux l’ambiance, encore que beaucoup plus romantique que n’est le film.

source : Arte

Le Direktor

Tue, 13 Mar 2007 18:43:48 +0000

Dimanche, il faisait tellement beau que je suis allé au cinéma. Sortir pour s’enfermer, c’est quand même sortir, non ? Mon choix s’était porté sur “le Direktor” de Lars Von Trier, après avoir entendu l’idée du scénario à la radio: il y avait là matière à faire quelque chose de marrant. Malgré une petite frayeur pendant les 5 premières minutes, où je me suis demandé si le film n’allait pas être trop hermétique, je fus vite rassuré.

Le responsable d’une boite informatique Danoise a, au fil du temps, inventé un directeur fictif pour mieux faire passer des décisions impopulaires et manipuler ses associés-employés. La signature d’un contrat l’oblige à faire apparaître ce personnage fictif. Il embauche alors un acteur au chômage, sans lui expliquer le contexte. Les situations les plus innatendues, farfelues, absurdes vont alors se produire.

Le film a été tourné avec un logiciel (Automavision) pour réduire l’intervention humaine (cadrage, prise de vues). Un budget réduit donc, pas de bande son… La preuve que l’on peut réussir un film sans dépenser des millions. Un peu surprenant au début, l’histoire et les personnages prennent toute leur place au fur et à mesure, et c’est proprement jubilatoire parfois.

Il y a aussi un autre aspect: la boite est Danoise, et le contrat doit être signé avec des Islandais. Et Lars von Triers s’en donne à coeur joie dans la caricature. Les Danois ayant occupé l’Islande pendant 400 ans, la signature du contrat (souvent reportée) donne droit à des scènes délirantes.

Bref, un film qui vaut le détour, plein de fraîcheur et très drôle. On est loin des grosses productions aux scénarios sans surprise, aux images parfaitement léchées, aux acteurs que l’on a déjà vu et revu (même s’il y a Jean-Marc Bar, dans un tout petit rôle, que l’on reconnait à peine).

Une histoire vraie

Thu, 15 Feb 2007 22:04:29 +0000

Très bon film ce soir sur Arte: “Une histoire vraie” de David Lynch: l’histoire (donc vraie, celle d’Alvin Straight) d’un homme de 76 ans qui, fâché avec son frère depuis 10 ans, apprend qu’il a eu une attaque cardiaque. Ni une ni deux, il construit une remorque, l’accroche a sa tondeuse (finalement, ce sera une John Deer, après un premier départ loupé). Il parcourt ainsi plusieurs centaines de kilomètres; de l’Iowa au Wisconsin, pour renouer avec son frère.

Il tient à faire ce voyage seul, voyage intérieur aussi, au travers d’une Amérique pleine de bonnes intentions (Fordienne, j’ai lu sur une critique !), mais road movie quand même, on est sur la route, et des choses simples arrivent.

A un moment, il se fait doubler par un peloton de cyclistes, dont il rejoint le campement le soir, sous les applaudissements. Un des coureurs, le soir autour du feu, lui demande:

- quel est le bon côté de la vieillesse ? - je ne vois pas comment être à moitié aveugle et avoir du mal à marcher pourrait avoir un avantage… tout ce que je peux dire, c’est que j’ai appris à peu près tout ce que la vie pouvait m’apprendre.

(citation de mémoire, donc approximative)

Pour une fois qu’un film de David Lynch fait un film simple…

Le mouton enragé

Fri, 12 Jan 2007 21:24:46 +0000

Excellent film hier soir sur Arte: Le mouton enragé, avec Jean-Louis Trintignant, Romy Schneider, Jane Birkin, Jean-Pierre Cassel. Un film de Michel Deville (1973).

Une comédie cynique sur le monde du pouvoir: l’ascension d’un employé de banque, guidé par un “mentor” ami et écrivain, qui va accéder au pouvoir (richesse, honneurs) en séduisant les femmes. Romy Schneider et Jane Birkin survolent le film, pleines de charme et sensibilité. Dans le monde des hommes, le cynisme est de rigueur, et la comédie amère tourne au drame.

Collusion du monde des affaires et de la politique, arrangements, corruption… la presse non plus n’est pas épargnée.

C’était en 1973.

Le pressentiment

Fri, 03 Nov 2006 16:17:58 +0000

Après avoir lu le livre (voir article), je suis tout naturellement allé voir le film, d’autant qu’il est réalisé (premier film) et interprété par Jean-Pierre Darroussin.

Très bon film, Darroussin est excellent, il joue parfaitement le rôle de anti-héros du personnage principal, avec sa nonchalence et son air désabusé.

Le roman a été transposé à notre époque (il se passait en 1931), et le quartier miséreux que rejoint le personnage passe de la porte de Vanves (Montparnasse) à la rue d’Avron (proche de la porte de Montreuil)… La misère se déplacerait avec le temps? Mais les humains eux ne changent pas vraiment, qu’ils soient riches ou pauvres, contemporains ou non.

On rentre vite dans l’atmosphère du film, dans ce personnage détaché de tout… Il dégage une sorte de sérénité, un renoncement à toutes les mesquineries de la vie.

Un bon moment, pour un film peu distribué, alors s’il passe près de chez vous, n’hésitez pas !

Société médiatique ?

Sun, 01 Oct 2006 14:13:37 +0000

Il aura donc fallu un film pour que le président de la République Française se décide à réparer une injustice flagrante de l’histoire. On atteint les sommets (de l’état, c’est le cas de le dire !)… la preuve ultime que notre société est ultra médiatisée… Si ce n’est pas à la TV, cela n’existe pas réellement. C’est vraiment triste et grave en même temps.

A quand un film HYPER EMOUVANT sur la condition des sans-emplois, des travailleurs pauvres (nouveau concept en pleine expension) ? ou alors faut-il attendre 50, 60 ans pour que cela puisse marcher ? Il faudrait demander à nos chers énarques…

Un petit dessin du Canard cette semaine illustre le même propos:

Tirez sur le pianiste - François Truffaut

Thu, 11 May 2006 20:18:16 +0000

Un très bon film passait ce soir sur Arte: Tirez sur le pianiste, avec Charles Aznavour et… Bobby Lapointe !

Des dialogues et un humour très décalé qui surprennent dans une atmosphère de film noir, une apparition de Bobby Lapointe qui chante “Avanie et Framboise”:

Pour sûr qu’elle était d’Antibes C’est plus près que les Caraïbes Et malgré ses yeux de braise Ça ne me mettait pas à l’aise De la savoir Antibaise Moi qui serais plutôt pour !

L’histoire d’amours impossibles et d’un destin immuable, avec Aznavour très bon acteur. Superbe !

Film en noir et blanc, 1960, un vrai scénario, de vrais dialogues, et de vrais acteurs… pas d’effets spéciaux… Le top, quoi !

La marche de l'empereur

Sun, 26 Mar 2006 17:13:11 +0000

Ce film est un grand succès, et vaut certainement le détour (que je n’ai pas encore fait, mais…). il a même le record de recettes d’un film français aux Etats-Unis. Mais on peut quand même faire quelques remarques…

Une première info d’abord:

Lors de la remise de l’Oscar du meilleur documentaire à Hollywood le 5 mars dernier, il manquait les 2 cameramen qui ont tourné pratiquement toutes les images au cours d’une année passée en Antarctique, le réalisateur étant bien au chaud à Paris. Il ne viendra que pour les scènes sous-marines, une fois l’hiver passé. Ce dernier a préféré se faire accompagner par 3 producteurs , et oublié ne serait-ce que de citer les 2 cameramen…La production a tout de même tenu à leur verser une prime (de 10000 à 20000 euros) car ils n’avaient touché qu’un simple salaire de technicien. Le film a rapporté 120 millions, dont 80 aux Etats-unis.

(source Le Canard - mercredi 22 mars 2005)

A propos de la version américaine:

Pour la version américaine, le texte et la musique ont été refaits. OK. Même le titre a été changés…A ce propos, certains se sont gaussés qu’il soit renommé Penguins, alors qu’il s’agit de manchots… “les américains sont tellement incultes”… hélas, la distinction pingouins/manchots (soit arctique/antarctique) est purement française: en anglais, c’est penguin pour les deux ! Et toc !!

Enfin, le succès aux Etats-Unis est à prendre avec précaution: une fois le texte réécrit, c’est devenu un hymne aux valeurs de la famille, du groupe, etc… Un très gros succès auprès de tous les mouvements religieux donc, ceux-ci ayant encouragés leurs ouailles à aller voir ces fameux penguins… porteurs des bonnes valeurs.

Ca refroidit, non ?